365 Dias de Filmes

Uma Nova Maneira de Assistir Filmes

2011-10-29T07:28:00.000-07:00

Chegou ao Brasil à empresa americana Netflix que revolucionou o mercado entretenimento nos Estados Unidos, a empresa chegou a quebrar a mega Blockbuster. Diferentemente de uma locadora convencional, aqui você não precisa ficar esperando por aquele filme que tanto quer ver mais sempre está locado. Pagando uma mensalidade de R$14,99 por mês, o assinante pode assistir quantos filmes quiser, quantas vezes quiser e ainda retomá-los de onde parou. No mercado americano a Netflix ainda oferece a opção de receber títulos em casa no formato de dvd e blu ray, e tudo sem a pressão do prazo de devolução, aqui ainda esse serviço ainda não está disponível. Totalmente online, o sistema ainda fornece uma lista de recomendações personalizadas de títulos. O acervo voltado para o publico brasileiro ainda não é tão grande como o que está disponível para o publico americano, mas vale a pena experimentar, já que o primeiro mês é oferecido gratuitamente. Além de filmes, está disponíveis algum seriados de tv.

No nosso país essa não é a única opção desse tipo de serviço, tem também a NetMovies, que já conta com a opção de receber os filmes em casa, mas a entrega não está habilitada para todos o Brasil ainda. Acho que vale muito a pena para as pessoas que não querem gastar muito, além do que pode escolher um filme a hora que quiser.

Para as pessoas que não curtem assistir a produções no computador, a dica é conectar o notebook ou pc na tv, é como eu costumo fazer. Basta pesquisar na net o cabo compatível ao seu computador e assistir na comodidade do seu sofá ou da sua cama. Espero que tenham gostado da dica.

www.netflix.com
www.netmovies.com

O Rei Leão 3D

2011-09-06T12:31:00.000-07:00

Depois de ter estreado há 17 anos nos cinemas e feito milhões de pessoas se emocionarem “O Rei Leão” está de volta às grandes telas, mas agora no formato da moda, ou seja, o 3D. Não aconteceram grande modificações na estrutura cinematográfica do filme, a antiga/nova tecnologia nos trás a sensação de profundidade, efeito natural na maioria dos filmes que são rodados em 2D e depois sofrem o convertimento para a terceira dimensão. A conversão da animação clássica da Disney demorou nove meses para ficar pronta, sendo que nos primeiros três meses do processo foram as fases de teste das cenas para depois começar o efetivo trabalho.

Com uma temática clássica shakespeariana onde a luta da família pelo trono tem uma disputa travada por um triangulo a lá “Hamlet”, onde tem as figuras de pai, tio e filho concorrendo ao poder, os diretores Roger Allens e Rob Minkoff utilizaram metáforas visuais para acrescentar significado e peso aos acontecimentos que se desenrolam no decorrer da projeção.

O primeiro título do filme foi “King Of the Jungle”, só depois de outras duas opções chegou-se ao nome final. Já uma das canções mais famosa desse delicioso musical, “Hakuna Matata” cantada pela divertida dupla Timão e Pumba, não fazia parte do roteiro original, ela só entrou no script depois que a equipe de pesquisa que tinha ido até a África apareceu com a frase, que acabou virando o refrão cantado até hoje pelas crianças que assistem ao filme. Apensar de o desenho ter quase uma década, não se pode negar que os habitantes daquela selva ainda emocionam muita gente, e o efeito de profundidade conseguido pela tecnologia do 3D, te deixa mais perto de toda a ação do filme. As cores fortes e o realismo daquela natureza que fazem o ciclo sem fim ser tão importante para o ambiente, é única e envolvente.

O Clube do Livro

2011-08-16T16:01:00.000-07:00

Olá gente a dica de hoje é um pouco diferente, não é um filme, mas está relacionado ao tema. Este livro do crítico de cinema David Gilmour é bem legal, conta como ele lidou quando seu filho aos quinzes anos decidiu que não queria mais frequentar a escola, tipo de coisa um tanto comum na America do Norte, já que lá as pessoas não são obrigadas a estudar na escola, elas podem ter aulas em casa, tendo os próprios pais como professores.

O pai então decide fazer uma proposta ao filho, ele pode parar de ir à escola, mas teria que assistir semanalmente a três filmes escolhidos pelo patriarca. As 234 páginas do livro mostra que semana após semana a dupla depois de assistir aos filmes discutia o que era melhor ou pior da telona. Além de ser uma experiencia interessante, o livro traz uma lista de bons filmes que após a leitura se tornam uma obrigatoriedade para quem gosta de cinema, mas confesso que ainda não assisti a todos.

O Escritor Fantasma

2011-08-02T19:47:00.000-07:00

A crítica é uma coisa muito subjetiva, e hoje mais uma vez eu provei isso. O filme em questão é o mais uma obra do diretor Roman Polanski, que por sinal foi muito bem vista pelos críticos, mas da minha parte não passa de um filme chato, parado e previsível.

Baseada na obra homônima de Robert Harris, que é também o responsável pelo roteiro, trás um thriller político recheado de traição, cheio de clichês e mistério que pode ser desvendada facilmente nas primeiras cenas. Abordando fatos e características que remetem a autoridades reais, o personagem de Pierce Brosnan, que interpreta um ex primeiro ministro britânico, é facilmente inspirado em Tony Blair.

Tudo começa quando o personagem de Ewan McGregor, um ghost writer, é chamado para terminar de escrever o livro de memórias de Adam Lang, ex Primeiro Ministro da Inglaterra. A trama tem como principal cenário uma ilha isolada, onde Adam está semi-exilado e onde todos são constantemente vigiados “por questão de segurança”. Quem se destaca no longa, é Kim Cattral, a eterna Samantha de “Sex and the City”, não que ela faça um trabalho excepcional, mas consegue se livrar da imagem da amiga tarada de Carrie. (Clique no título para ver o trailer).

A Onda

2011-08-01T20:39:00.000-07:00

Uma realidade que acontece no mundo do cinema é quando Hollywood adapta acontecimentos de outros países para a telona, mas nessa história ocorreu o contrario, a experiência foi feita por um professor de história da pequena cidade de Palo Alto na Califórnia em 1967. Ron Jones resolveu ensinar de uma maneira diferente aos seus alunos autocracia, que nada mais é, que implantar um regime a lá nazismo. Depois dessa experiência, Jones escreveu o ensaio “The Third Wave”, que posteriormente foi transformando em livro por Todd Strasser. Antes de essa versão alemã de 2008, o filme ganhou uma versão televisiva para o canal abc em 1981.

Com um teor político que surpreende, a narrativa que não se torna maçante em nenhum momento, mostra um professor que tem é designado a dar aulas durante uma semana para um grupo de alunos sobre autocracia. Mas como já se é de esperar, os estudantes não querem mais saber que ficarem se repetindo quando o assunto aborda a grande ferida alemã, a ditadura de Hitler. No começo eles não acreditam que um novo governo autoritarista possa ser implantado nos dias de hoje, mas assim como os alunos, o espectador vai descobrindo que não estamos livres disso, e que a manipulação de grupos não é nada assim tão complexa. Diferente professor real, que teve total controle da situação, no filme o “líder”, que é muito querido pelos alunos, se deixa envolver pela dinâmica.

Um sucesso no país germânico, a narrativa tem uma fluência e não conta com frescuras ou invencionices. O diretor que dirige com bastante ritmo e cuidado posiciona a câmera em diversos momentos abaixo do nível dos olhos das pessoas, bem perto do chão, o que deixa que está em cena com um ar de superioridade em relação a quem assiste. (Clique no título para ver o trailer).

Eu Sou o Número Quatro

2011-07-28T22:06:00.000-07:00

Por que temos na nossa imaginação que um alienígena, é sempre um homenzinho verde, de olhos grandes, ou seja, uma coisa bem horripilante?. Eu juro que não teria medo se um dia for abduzida por um e.t. como o número 4, confesso que até ficarei feliz. Assim que John surge na tela, vemos que ele não é muito diferente dos adolescentes que conhecemos, mas que vem de outro planeta, junto com mais oito crianças. Cada uma delas tem um numero e um mentor, espalhadas pelo mundo, são perseguidas por outros alienígenas , que precisam matá-las em um ordem numérica. Quando o número três é morto, John ganha uma cicatriz na perna e logo percebe que acaba de se tornar o próximo alvo. Essa história pode nos parecer muito familiar, lembrando Kal-El, que desenvolve poderes excepcionais e se transforma no Superman.

Baseado em um best-seller escrito por James Frey e Jobie Hughes com o pseudônimo de Pittacus Lore, essa é a primeira parte de uma série prevista para seis títulos. Na direção está D.J. Caruso que já comandou “Paranóia” remake versão adolescente do maravilhoso “Janela Indiscreta” do mestre Alfred Hitchcock, já na produção está Michael Bay de “Batman Begins”. A abertura tem uma bela tomada área, com uma seqüência na floresta escura, que antecipa o ataque que mata o número 3, é bem realizada tecnicamente e abre o filme deixando o espectador curioso. Na era dos efeitos especiais, bons roteiros são peça de museu, aqui não é muito diferente, tentando tirar proveito de uma historia de ficção cientifica que traz um elenco bonito, mas tem um roteiro previsível que infantiliza os personagens adolescentes.

Com poderes a lá X-Men, o longa, que foi rodado em Murrysville, na Pennsylvania, consegue entreter quem decide comprar a idéia, mas contém várias pontas soltas e coisas mal explicadas. Essa ação/aventura com toques de ficção científica e romance adolescente tem lutas bem coreografadas e ainda deixa uma abertura no final para um possível segundo filme, que de acordo com a roteirista Marti Noxon, que adaptou essa primeira parte, não sairá tão cedo, pois o projeto está engavetado, e o segundo livro ainda nem saiu, o que deve ocorrer ainda esse ano. (Clique no título para ver o trailer).

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Part. II (Gran Finale)

2011-07-16T00:06:00.000-07:00

Um misto de tristeza e euforia tomou conta de mim no momento em que sentei na tradicional poltrona vermelha do cinema, para aguardar o inicio da última estréia de um filme da saga de “Harry Potter”. Assim como os atores cresceram junto com seus personagens, nós fãs também crescemos com eles, foi uma espécie de amizade, cumplicidade. Nostalgicamente ali, naquele mesmo cinema relembrei às vezes em que eu estive lá com minha turma na fila da estréia do primeiro filmes, esperando para saborear mais uma aventura do trio de bruxos. A cada novo livro que era transforma em filme, ficávamos na expectativa do filme e do próximo livro a ser lançado. Em cada novo filme a saga ganha mais força, maior orçamento e melhor qualidade. Mais de dez anos se passaram desde o primeiro livro que li, eu me lembro, estava na sexta série, tinha acabado de conhecer meus amigos, e graças a J.K. Rowling, tomei gosto pela leitura. Hoje eu e meus amigos estamos formados, uma até já teve filhinho que já assiste a saga, e hoje aconteceu à pontuação final dessa Era.

Hoje chegou oficialmente aos cinemas brasileiros a última parte dessa história e ela começa exatamente aonde termina o longa anterior. Esta seqüência favorece o público que conhece o enredo do livro e seus personagens, ou seja, quem não acompanhou os outros filmes, ou não leu o livro vai ficar um pouco perdido. Com mais dinâmico que o anterior, aqui todas as pendência deixada pelo outros filmes são resolvidas de uma maneira bem satisfatória e bem amarradas, deixando grandes momentos em segundo plano, mas mesmo assim a projeção se mantém interessante do começo ao fim. Tendo um tom mais obscuro, dramático, e um pouco pesado e adulto, o diretor David Yates, que dirigiu outros três longas da saga fez a sua leitura dar uma dimensão definitiva para a história.

Usando uma edição mais frenética na hora da edição, o filme ficou mais dinâmico que o anterior na hora de desenrolar as parte importante da narrativa, mas tem vários momentos de tensão também, tudo na medida certa. Tudo isso foi embalado por uma trilha sonora melancólica, composta pelo Francês Alexandre Desplot de “O Discurso do Rei”, que já foi quatro vezes indicado ao Oscar.

Com um visual incrível, que faz aquele universo transparece muito real, as batalhas, os feitiços lançados, as viagens pelas lembranças de alguns personagens, as destruições, tudo sem parecer exagerado. É claro que não faltam algumas pitadinhas de humor e romances, com esses ingredientes, é quase que impossível você tirar os olhos da telona. Com vários destaques na interpretação, o bom entrosamento do trio central é inquestionável.

A direção de arte fez um trabalho impecável, não só com os cenários grandiosos, mas também com os sutis efeitos de iluminação que deixam Hogwarts com um clima frio e cinzento. A equipe teve que recriar os cenários do filme, porque os sets a principio eram feitos de uma camada fina de madeira e cobertos de gesso para dar uma textura de pedra. Mas para esse último filme, um novo set enorme foi construído e as ruínas tridimensionais foram projetadas no chão, recebendo um ar mais solido. Esses cenários da escola sofrem um grande incêndio durante gravação de cena de batalha que deu errado, provocados por uns explosivos que foram usados na cena, os bombeiros demoram cerca de quarenta minutos para apagar as chamas.

Normalmente em uma sessão de cinema, detesto manifestação sem necessidade da platéia, mas hoje tudo era festa, tudo era aceitável, menos é lógico um final desastroso e/ou fraco para essa tão emocionante aventura mágica, e é claro isso não aconteceu. Pretendo voltar mais algumas vezes ao cinema para contemplar esse último episodio. (Clique no Título para ver o trailer!)

Em Breve...

2011-07-11T17:10:00.000-07:00

Para todos que estão aguardando a volta do blog, queria adiantar que isso acontecerá entre sexta e sábado dessa semana, o filme comentado será a última parte da saga mais rentável do cinema. Vem ai, na Sexta "Harry Potter e as Relíquias da Morte - Part. II". Aguardem...

A Retomada do Blog "Novo"

2011-07-04T12:44:00.000-07:00

Olá pessoal, estou de volta, queria muito agradecer aos seguidores que mesmo com o blog desatualizado continuaram frequentando o blog, até novos seguidores surgiram, obrigada mesmo.

Bom, depois desses longos meses, que eu estive nos Estados Unidos, eu estou de volta, e o blog será retomado, mas ainda não sei se essa atualização será diária, como era antes no inicio do blog. De qualquer maneira estarei por aqui, espero que continuem me acompanhado, porque estou cheia de planos para esse espaço aqui. A todos muito obrigado pela companhia, luz, câmera, ação.

Uma Nova Fase se inicia......

2010-12-19T19:27:00.000-08:00

Olá, queridos amigos que acompanham meu blog, como está evidente estou um tanto ausente das postagens e comentários, mas tudo isso é por uma boa causa, como já comentei anteriormente estou de partida para a terrinha do Tio Sam, embarco no dia 4 de janeiro e permanecerei em solo Americano por 7 meses. Desde o inicio dessa idéia que surgiu através de conversar com amigos, a intenção era não só dividir meus pontos de vistas em relação às produções, como me aperfeiçoar e estudar mais sobre a sétima arte. O projeto inicial era assistir a 365 filmes durante dos 365 dias desse ano, começados no dia 1º de março, mas que infelizmente não concluir, não por falta de competência e vontade, como alguns torceram que aconteceria, pelo contrario, foi por novos rumos que a minha vida tomou, pois vamos concordar, em um ano muita coisa pode acontecer, ainda mais se soubermos agarrar a oportunidades, e foi o que eu fiz. Oportunidades não iram faltar para novos projetos assim. Iniciarei um blog para falar da minha jornada por lá, que concretiza terá muito sobre o mundo mágico do cinema, já que estou indo para a Califórnia, antro de todo esse magnífico mundo. Quem quiser me acompanhar será uma ótima companhia, se não no encontraremos por ai.... Logo, logo o endereço do meu diário de bordo.... Feliz Natal para todos, e que 2011 esteja cheio de realizações, oportunidades, crescimento, que os sonhos se tornem verdade, pois nosso futuro já começou... quase um plágio, mas quando desejamos de verdade, tá valendo.... Beijos, Até Breve......

Harry Potter e as Reliquias da Morte - Part. 1 ( Em Imax)

2010-11-21T15:48:00.000-08:00

De Encontro com o Amor

2010-11-20T17:17:00.000-08:00

Ok, gente para tirar a dúvida de muitos, o blog não está com problema. Como já postei anteriormente, em janeiro estou indo fazer intercambio, então esses últimos meses são de total preparação, aulas de inglês, presença diária na academia, entre outras coisas, com isso também veio a preguiça, então por isso que os textos estão atrasados, mas estou empenhada em colocá-los em dia. Agradeço a compreensão.

O filme de hoje, vem recheado de um romance água com açúcar, que ora é comédia, ora é drama, se desenrola em terras européias, para ser mais exata, no interior da Itália, onde é claro proporciona lindas paisagens e locações ao espectador. Responsável não só pelo roteiro como também pela direção, Brad Mirman, nos conta a estória de um jovem escritor que trabalha em uma editora e é designado pelo seu chefe a encontrar um famoso escritor, que por é ídolo do jovem, e fazê-lo voltar a escrever. O famoso autor deixou de escrever após a morte de sua esposa, ele exprime por ela uma paixão interminavelmente linda, porém marcada pela dor da perda e da saudade, tudo isso o leva a um bloqueio criativo, que o leva a se esconder na bela cidadezinha italiana. Esta romântica co-produção entre a França, Itália e Reino Unido, tenta disfarçar-se durante quase todo que longa. As paisagens do Sul da Itália, as músicas, a poesia, o bloqueio, tudo remete ao amor. Como todo filme romântico que se preze existe os contrates da vida, o antes, que aqui é a vida corrida em Londres e a nova descoberta, que é os louvores simples do campo. Com uma trilha sonora linda e divertida, como por exemplo, o “karaokê” do pessoal cantando “Walk Like a Man”, entre outras canções; tem também Elivis Presley com “It’s Now or Never”; e para um dança mai caliente “Sways” de Xavier Cujat, música essa que é um clássico de varias outras produções. Lançado diretamente em DVD no Brasil, o filme tem um bom elenco. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Vida de Insetos

2010-11-19T17:14:00.000-08:00

A Pixar sempre cria um universo particular para seus filmes, foi assim logo no seu longa animado de estréia “Toy Store” e não seria muito diferente no segundo filme lançado apenas três anos depois “Vida de Inseto”. Estreando nas telonas em 1998, a animação, que foi a primeira computadorizada a ser lançada em widescreen, tem como base uma das fábulas de Esopo. A produção também deu inicio a tradição de lançar teasers com cenas não exibidas no filme. Um mês antes de seu lançamento, a concorrente da Pixar, a Dreamworks lançou o “FormiguinaZ” que conta uma história semelhante.

Desta vez, o mundo é dos insetos, mais centralizando em um formigueiro onde uma colônia trabalha diariamente para conseguir armazenar o máximo de comida possível para o inverno. Até ai tudo bem, mas o problema é que as pequenas criaturas precisam juntar comidas não só para elas, mas também para os gafanhotos, que vivem ameaçando-as. Como toda família tem sempre um atrapalhado, aqui não seria diferente, o cara da vez é Flik, uma formiga macho metida a inventor. Certo dia, enquanto trabalha recolhendo a comida, Flik cria um “instrumento” que pode ajudar a colônia a aumentar o montante da comida, mas como disse antes o cara é atrapalhado, um acidente acontece e tudo o que já havia sido coletado é perdido. O desespero toma conta das formigas e logo os gafanhotos às colocam contra a parede, o que leva o pequeno trapalhão desbravar o mundo além do formigueiro em busca de ajuda.

Com personagens carismáticos, a produção tem um extraordinário trabalho com cores e uma esplêndida direção de fotografia, que conta com vários movimentos refinados de câmera e enquadramentos precisos. Em determinados momentos através do uso da câmera subjetiva, o expectador é levado a entrar realmente naquele mundo, como por exemplo, a passar a ter a visão de uma mosca. As locações construídas são belíssimas e garante um visual espetacular à animação, além disso, a equipe do longa consegue fazer a atmosfera do ambiente, criada com as cores verde e azul , remeter um clima de paz, mas mudando também assim que os gafanhotos chegam e deixam o local mais escuro.

Assim como nos próximos filmes que seriam feitos pela Pixar, “Vida de Insetos” tem referencia e homenagens a outros filmes. No circo onde Flik encontra a trupe, tem umas caixas e nelas é possível ler J. Grant, quem vem a ser o roteirista de “Dumbo” de 1941, já no “trem” da turma do picadeiro, é formado por caixas de biscoitos para animais da marca Casey Jr., que vem a ser a mesma marca de trem do circo que aparece também em “Dumbo”. Outra referencia que pinta nas imagens, é a pickup do planet pizza de “Toy Store”, ela aparece ao fundo, quando um inseto esta voando para uma luz. Já o personagem Dim, um besouro rinoceronte, que tem o mesmo nome da personagem homônima do filme “Laranja Mecânica” de 1971.

O diretor do longa John Lasseter e o co-diretor Andrew Stanton, dublam na versão americana, os dois mosquitos que se aproximam da luz, que por sinal é uma das minhas cenas favoritas. (Clique no título para ver o trailer).

Noites de Tormentas

2010-11-18T17:11:00.000-08:00

Mais um filme que foi baseado em mais um best-seller de Nicholas Sparks, mas que ao ser transformado em um longa, sofreu algumas alterações em relação ao livro. Desta vez, é sobre uma mulher que está se separando do marido, que passará o final de semana longe dos filhos, e para fechar com chave de ouro, uma amiga que possui uma pousada em uma cidade litorânea na Carolina do Norte, pede para Adrienne Willis, papel de Diane Lane, que tome conta de sua pousada por uns dias. Como precisa de refugio para pensar no momento em que está passando, Adrienne aceita, mas o que ela não esperava é que um hospede aparecesse por lá, e esse homem é nada mais, nada menos que Richard Gere, no papel do Dr. Paul, um médico fechado, separado que não consegue ter uma boa relação com seu filho, também médico. Mas o pior ainda esta por vir, uma tempestade se aproxima do povoado.

Cuidadosamente feito para fazerem suas lagrimas aflorarem com as quantidades de clichês, o longa na trás absolutamente nada de novo e realmente não é dos melhores. Os belos cenários que são necessários para um romance, aqui são captados pelo diretor de fotografia, o brasileiro Affonso Beato, mas nem isso, ou a repetição da parceria de Richard com Diane, são capazes de salvar a produção de um desastre maior do que o causado pelo furacao que assombra os personagens. (Clique no título para ver o trailer).

Cloverfield

2010-11-17T17:06:00.000-08:00

Feliz Natal

2010-11-16T17:05:00.000-08:00

É véspera de natal nas trincheiras da Primeira Guerra Mundial, em algum lugar da França em meio à batalha, os soldados dos três exércitos encontraram momentos para celebrar o natal. No lado escocês, um padre inicia uma cantoria de músicas típicas com seus homens. Um tenor, que agora é um soldado alemão, canta músicas natalinas. Pouco a pouco, eles vão se rendendo ao significado que aquela noite representa, assim vão saindo de suas bases e passam a confraternizar com os então inimigos. Em pouco tempo os três exércitos acordam um cessar-fogo e promovem uma confraternização entre os soldados na noite de Natal. Mas depois do ocorrido que durou por todo o dia de Natal, os soldados foram repreendidos e castigados por seus superiores.

Retrata um dos episódios mais nobres da história, sobre uma ocasional trégua verídica por sinal, que aconteceu em dezembro de 1914, durante a Primeira Guerra, sobre um evento que teria acontecido não apenas em uma trincheira, mas em várias regiões de combate. O diretor deixa a força da história falar por si só. Depois de uma pequena introdução, o tempo para cada nacionalidade é igual, já mostrando que não escolherá um lado, porque ao menos na noite de Natal todos são iguais, ninguém é bom nem ruim. Com freqüente uso de metáforas e rimas visuais, o diretor desenvolver suas idéias. A câmera intercala principalmente entre os escoceses e os alemães. Em close, os alemães ouvem emocionados os escoceses cantarem. O som é condizente com o ambiente, sendo ouvido de longe pelo lado alemão e bastante nítido quando foca o lado escocês.

Este roteiro mostra como a humanidade pode ser ao mesmo tempo idiota e quase sublime, quando levando em consideração que é uma produção internacional, que juntou os países que estiveram dos dois lados das trincheiras, e aqui os atores de cada país falam as suas próprias línguas. (Clique no título para ver o trailer).

Sob o Sol da Toscana

2010-11-15T16:50:00.000-08:00

Das paisagens magníficas à fantasia, passando ainda pelas saborosas receitas, regadas com bons vinhos, tudo que aguça os sentidos e que pode ser encontrado na Itália, ainda mais na belíssima e ensolarada região da Toscana, que fica no coração do país, você vai encontrar nesse longa que é baseado no best-seller de Frances Maye, que altera fatos e personagens.

O enredo da história mostra a escritora Frances, interpretada por Diana Lena, que mora em São Francisco e que acaba de se divorciar e anda muito deprimida. Convencida pela amigas, que lhe compram uma passagem para a Itália, ela ira recomeçar uma nova vida nesse lugar que tem um visual de cartão postal.

Em uma clássica história de amor, que tem paisagens estonteantes como o pano de fundo, a produção equilibra romantismo em que a simplicidade da narrativa nos da chance de degustarmos das belas locações, um elenco italiano e têm diversas referencias ao cinema do famoso diretor Federico Fellini. Com muita qualidade e cor forte, podemos ver uma colheita de azeitonas, as parreiras e o mar Mediterrâneo. A sensação é de que tudo é uma homenagem ao povo italiano, que gostam de preservar suas tradições.

Com pinceladas cômicas, esse drama romântico que faz a junção da natureza temperada com o raro apuro arquitetônico, é um longa sobre mulheres, feito para mulheres por mulheres. A diretora Audrey Wills, não deixa o filme cair no excesso do romantismo, encanta pela leveza de seu humor. É um filme irresistível. (Clique no título para ver o trailer).

Quando Mai Quente Melhor

2010-11-14T16:47:00.000-08:00

... E o Vento Levou

2010-11-13T16:43:00.000-08:00

Ao longo da história do cinema, contam-se nos dedos os filmes que se transformaram em lendas. Os que chegaram ao pedestal da glória cinematográfico, lugar ao qual o público os elevou e do qual apenas os espectadores poderão rebaixá-los. Além disso, se atualizarmos as cifras da bilheteria dessa produção é a maior de todos os tempos. O produtor David O. Selznick apressou-se em adquirir o diretor do best-seller de Margaret Mitchell sobre a Guerra Civil Americana, que ocorreu entre 1861 e 1865. Com um audacioso argumento para um filme que somados os custos estimados de figurino, onde foram criadas 5.500 roupas, cenários e de produção, alcançaria US$ 4, 25 milhões, quantia que o estúdio previa investir em todos os seus títulos daquele ano. O filme tem como cenário a cidade de Atlanta, a produção chegou a fazer uma viagem até o Sul, mas ficou claro depois dessa visita que o longa teria que ser rodado em cenários montados nos estúdios em Hollywood. Selznick insistiu para que todos os detalhes fossem grandiosos. Castings foram realizados por toda a América e uma competição cerrada entre as estrelas femininas, mas o produtor foi até a Grã-Bretanha buscar Vivien Leigh para dar vida a Scarlett O’Hara. Durante o ano de 1938, 1.400 atrizes foram entrevistadas para o papel de Scarlett, e 400 chegaram a fazer teste de câmera. Mesmo o produtor tendo em mente desde o começo o nome de Clark Gable para o papel de Rhett, o ator não queria interpretá-lo, sua desculpa era o pânico de não contentar milhões de espectadores que já teriam imaginado como seria o personagem. Uma constante na produção foi que os atores que consideravam seus possíveis papeis estúpidos foram contratados com mais rapidez. Vivien Leigh, trabalhou todos os 125 dias de filmagens e recebeu um salário de US$ 25 mil, já o galã Clark Gable embolsou mais de US$ 120 mil por apenas 71 dias trabalhados. 26 de Janeiro iniciaram as filmagens, e já havia um gasto de US$ 1 milhão dos US$ 2,8 milhões do orçamento original, esse gasto foi apenas com a primeira seqüência do longa. Os técnicos decidiram rodar primeiro o grande incêndio de Atlanta. Ray Klune, o diretor de produção sabia que não se podia manter aquele fogo vivo por mais de 40 minutos, ao quais os velhos cenários de filmes como “Um Garoto de Qualidade”, “O Rei dos Reis”, “O Último dos Moicanos” e a porta gigante do clássico “King Kong” de 1933 viram lenha para a destruição, tudo para dar “vida” a cena do fogo. Prevendo possíveis problemas, o departamento de bombeiro de Los Angeles levou dez esquadrões, já dentro do estúdio tinham outros 50 bombeiros e 200 auxiliares. O responsável pelos efeitos especiais era o maior especialista de época, Lee Zavitz. O diretor de produção William Cameron Menzies concebeu a famosa panorâmica da estação de Atlanta, na qual a câmera se eleva entre milhares de mortos e feridos. Para a cena foi necessário trazer uma grua especial dos estaleiros de Long Beach. Aos sindicatos foram solicitados 2.000 figurantes, mas naquele dia só apareceram 800. A solução encontrada foi colocar ao lado de cada homem um manequim movido por cabos e que o figurante deveria manipular, a primeira tomada ficou perfeita. O modo como a câmera se afasta de Scarlett quando ela está cuidando dos feridos, e enche o ecrã de soldados com uniforme cinzento, a corrida por entre as chamas, numa Atlanta a arder. O projeto teve vários diretores e roteiristas. Do total filmado, 45% foram de responsabilidade de Victor Fleming, 30% comandadas por Wood e Menzies, 5% realidades por George Cuker, que foi quem começou no cargo de diretor do filme e os 20% restantes foram rodados por outros. No final do processo, havia cinco equipes rodando ao mesmo tempo para finalizar. O uso do Technicolor acentuando cada milímetro quadrado da tela com azuis, vermelhos, roxos e verdes. dentro do prazo. Durante quatro meses, a montagem do filme exigiu 23 horas por dia da equipe. O filme parece que não cresce nem diminui não ganha nem perde com o tempo. É o maior longa “rural” que já vi e a mais ambiciosa filmagem na espetacular história de Hollywood, além disso, é o maior e melhor exemplo de uma película de produtor, pois tudo tem a marca de seu idealizador. A monumentalidade da obra tornou-a imune a critica por suas melhores cenas que combinam uma intensidade épica arrebatadora com uma atenção sutil os personagens. Com um custo de US$ 4, 25 milhões e ainda US$ 1,55 milhões em publicidade e cópias, foram rodadas 30 horas de material em 90 estúdios que utilizaram 2.400 figurantes e mais de 50 personagens com extensos diálogos. Silznick, o produtor, nunca se recuperou financeiramente ,e quanto o quarteto de protagonistas, morrerm de maneira trágica e repentina Leslie Howard, Clark Gable e Vicien Leigh, a única que encontra-se viva até hoje é Olivia de Havilland, que curiosamente é a única dos quatro que morre no filme. Sidney Howard, um dos vários roteiristas que a produção teve, foi primeiro ganhador de um Oscar a título póstumo, ele ganhou o prêmio pelo filme. David O. Selznick em certo momento declarou que se tivesse que ser lembrado por um filme, que agradeceria aos céus que fosse por “...E o Vento Levou”. A repercussão da première mundial é lembrada até hoje em Atlanta, houve três dias de festas. No Brasil o filme só foi chegar às telas no inicio de 1940. Mesmo que aos nossos olhos, adestrados pelo ilusionismo digital, os efeitos especiais do filme pareçam toscos, quase rudimentares, é na escala do tempo historicamente que a fita adquire sua relevância. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

A Primeira Noite de Um Homem

2010-11-12T09:21:00.000-08:00

Baseado no romance de Charles Webb, a trama gira em torno de um caso vivido pelo jovem Dusti Hoffman, que tinha quase 30 anos, mas cabia perfeitamente no papel do rapaz de 21 anos. No roteiro, Buck Henry incorpora à telona elementos da comédia teatral, que além de explorar uma série de fetiches, o longa ainda confronta sexo e amor ao melhor estilo de contestação hippie, uma filosofia então nascente e que prevalece no final. Nunca antes uma produção de categoria de Hollywood tivera um olhar tão frontal sobre sexo nos subúrbios ou se concentrou num trio romântico improvável. Ocupando a 17ª posição na lista dos 100 melhores filmes de todos os tempos, do American Film Institute, foram usadas na fita duas técnicas de filmagens novas. Na seqüência em que Benjamin corre, ele é mostrado sempre à mesma distância da câmera, de tal forma que parece estar indo para nenhum lugar. Em outra cena, Benjamin caminha da direita para a esquerda da tela, enquanto todos os demais se movem no sentido contrario, Coisas que se movem da esquerda para a direita dão a impressão de ser maturais e o sentido oposto parece estranho. As duas técnicas servem para mostrar que o personagem está desorientado e sem rumo. O hotel Taft, onde acontece o encontro do casal aventureiro, é na verdade o famoso Ambassador Hotel, o mesmo lugar que o senador e candidato à presidência Robert Kennedy foi assassinado seis meses depois do lançamento do filme. Além da trilha sonora interpretada por Simon & Garfunkel que emplacou sucesso como Mrs. Robinson e Sound o Slicence, a cena final tonou-se um clássico no imaginário cinematográfico. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Casablanca

2010-11-11T09:15:00.000-08:00

Mais um clássico que o enredo acontece durante a 2ª Guerra Mundial, com uma trama forte, em um ambiente exótico, e uma estória complexa estruturada ao redor de um flashback parisiense, que quebra a maioria das regras de um bom argumento. O curioso é que um longa tão bem estruturado foi produzido sem que ninguém no set conhecesse o enredo, exceto claro o diretor Michael Curtiz, que amarrou com habilidade várias subtramas e um enorme elenco de apoio neste melodrama de guerra, dizem que o roteiro era reescrito diariamente, de tal modo que nem a própria Ingrid Bergman sabia o destino de sua personagem. Filmados nos estúdios da Warner, que foi transformado no norte da África, teve seu título ainda mais valorizado quando as forças americanas liberaram a região. Michael Curtiz filma com tanta confiança que tudo parece fluir sem remendas nem suturas. Com um elenco magnífico, essa produção tem um dos melhores atores secundários, como Claude Rains, Sidney Greenstreet, Peter Lorre e Conrad Veidt. É por seus diálogos memoráveis e a emotiva trilha sonora de Max Steiner, que o filme é mais do que qualquer outra película que os fãs querem reviver. E foi exatamente este impulso que deu origem a “O grande conquistador”, uma encantadora homenagem a Rick e Ilsa, escrita por Woody Allen e dirigida por Herbert Ron. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Informante

2010-11-10T09:09:00.000-08:00

Um drama baseado numa estória real, a narrativa conta da briga do cientista Jeffrey Wigand contra a indústria do tabaco, o ocorrido chegou a ser publicado em maio de 1996 pela revista Vanity Fair, o artigo foi escrito pela jornalista Marie Brenner. Foi esse material que serviu de base para o diretor Michael Mann realizar o filme. No depoimento, o cientista revela práticas ilegais da empresa Brown & Williamson, da qual ele era vice-presidente. Ao decidir dramatizar os eventos num território de maior liberdade narrativa, Mann lançou mão de elementos ficcionais para valorizar esse drama. O verdadeiro Jeffrey Wigand impôs duas condições para que pudesse filmar a sua estória, ele solicitou que o nome de sua esposa e de suas filhas fosse alterado, e que o cigarro fosse banido do filme. O segundo pedido não foi de todo respeitado pelo cineasta, é possível ver personagens fumando em cena. A polêmica começou antes mesmo de o filme ser lançado em novembro de 1999. Dan Hewitt, executivo da CBS e criador do programa 60 minutos, programa em para o qual Wigand deu uma entrevista, e o jornalista e apresentador Mike Wallace leram uma previa do roteiro e não gostaram do material e ainda acusaram o diretor de licenças dramáticas inaceitáveis, como transformar o produtor do programa Lowell Bergman e responsável pela investigação do caso, em herói à custa dos dois. Mann e seu parceiro roteirista, Eric Roth, aceitaram fazer algumas mudanças no script depois das reclamações, mas elas não foram suficientes para cerrar as críticas de Wallace. As controvérsias não pararam por aí, como era de esperado a gigante do tabaco torceu o nariz para o longa, isso mesmo antes de tê-lo visto. Além de uma reclamação na justiça contra a Walt Disney Company, que é a subsidiaria da Touchstone Picture, quem produziu a película, a Browm & Williamson chegou a publicar um anúncio de página inteira no Wall Street Journal criticando os profissionais envolvidos na produção, e mais ainda enviou representantes às sessões de estréia em oito cidades para pedi aos espectadores que respondessem questões sobre o filme. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Último Mestre do Ar

2010-11-09T08:55:00.000-08:00

Este é o verdadeiro “Avatar”, bom eu explico, o filme é baseado em uma animação de Manga “Avatar: A Lenda de Aang”, mas o diretor James Cameron junto com a 20th Century Fox registrou primeiro o título “Avatar”, com isso ficaram com os direitos do nome, sendo assim o diretor, que também é o roteirista e produtor desse longa, M. Night Shyamalan de “O Sexto Sentido”, precisou mudar o nome.

Durante dois anos o faz tudo, Shyamalan, trabalhou para conseguir tirar o projeto do papel, que tem influencias da cultura asiática, trás a mitologia chinesa e artes marciais. A história é sobre um mundo constituído de quatro povos distintos, que só ficam em harmonia quando regidos pelas forças dos avatares, que estão quase em extinção. Essa espécie de monge tem o poder sobre os quatro elementos da natureza, o fogo, a terra, o ar e a água.

Se passando em um universo complexo, e sempre tendo algumas informações novas a serem transmitidas, até mesmo na última fala do filme elas são passadas, o diretor conduz todo o suspense e a intriga para o lado mais obscuro e confuso, além de lotá-lo de clichês, elos mal resolvidos e diálogos auto-explicativos, que de tão redundantes beiram o ridículo. Com um roteiro fraco e a falta de experiência e carisma dos atores, o público não se envolver com os personagens. Não se iluda com o trailer porque as melhores cenas estão no trailer. (Clique no título para ver o trailer).

O Contador de Histórias

2010-11-08T08:51:00.000-08:00

É um filme biográfico, no qual acompanhamos a história do mineiro de Belo Horizonte, Roberto Carlos Ramos, que é conhecido no Brasil e no exterior como o “Contador de Histórias”. Nos anos 70 Roberto é entregue pela mãe para a Febem, pois naquela época a Instituição é a única forma que famílias carentes tem de dar educação aos filhos, depois de algum tempo lá, ele é transferido para outra fundação onde as regras são bem mais rígidas. Depois de mais de cem fugas, o menino encontra uma pessoa que irá mudar seu destino.

Na direção está Luiz Villaça, que descobriu a história de vida de Roberto, depois que seu filho ganhou um livro escrito por Ramos, após ler o relato, Villaça resolve desenvolver um projeto de um filme, que acabou premiado com o selo da Organização das Nações Unidas (UNESCO). As memórias de Roberto sofreram algumas adaptações, mas o diretor mantém a linguagem e a fantasia de Ramos ao narrar episódios de sua vida, mesmo nos momentos trágicos, como as violências sofridas. Para dar ar de documentário, mesmo não sendo um, o diretor insere uma narração off do próprio protagonista, e depois com sua aparição na seqüência do longa.

Há muito tempo atrás em alguma dessas campanhas de incentivo a alguma coisa que a globo faz, era possível ver um rápido relato de Roberto, onde ele contava que já tinha fugido varias vezes da Febem, e que em um dessas fugas ele encontrou uma mulher que o levou para a casa dela, mas que ele por um impulso de raiva entrou no banheiro, encheu a banheira, deixando ela transbordar, o que acabou molhando a casa inteira e ao invés da mulher bater nele, ela o abraço. Aqui nesse longa é possível entender um pouco o que pode levar crianças a cometer pequenos crimes e a querer permanecer nas ruas, ao invés de permanecerem em abrigos, reformatórios. O que elas na verdade precisam, é o que todos nós seres humanos precisamos, de carinho, afeto, amor.

Com um inicio que lembra um pouco “Peixe Grande” do grande diretor Tim Burton, como nos mementos em que são retratadas as fantasias do menino, que são materializadas com o uso de animação e de recurso como música e figurino. O longa tem como produtores Francisco Ramalho Jr. e Denise Fraga. As filmagens tiveram duração de nove semanas, e aconteceram em Portugal, Belo Horizonte, São Paulo e Paulina. Para poder retratar Belo Horizonte dos anos 70, a produção precisou apagar algumas modernizações de alguns locais da cidade, como por exemplo, lixeiras foram retiradas, assim como placas de sinalizações e pontos de ônibus.

Para o papel da pedagoga que muda o destino de Roberto era preciso de uma atriz que falasse francês, e a escolhida para o papel acabou sendo a atriz portuguesa Maria Medeiros, que também trabalho em “Pulp Fiction”, pois ela viveu por muito tempo na França.

Cleopatra

2010-11-06T08:39:00.000-07:00

Cada dia que passa eu tento mais dar uma chance para o cinema nacional mudar minha visão sobre ele, mas tá difícil viu, lógico que existem algumas produções que são raras exceções. A produção do diretor Júlio Bressane, sobre o mito Cleópatra, é uma vergonha ao nosso cinema, fiquei ainda mais sem graça de saber que o filme foi passado no Festival de Cannes de uns dois anos atrás. Dividindo o roteiro com a mulher Rosa Dias, Bressane tinha a intenção de convidar o ator egípcio Omar Sharif para viver um sacerdote, mas ainda bem que o orçamento estava apertado e não foi possível ir enfrente com a idéia. As filmagens que aconteceram no Rio de Janeiro e que teve a praia de Copacabana transformada em Rio Nilo, têm a intenção de relatar a história de Cleópatra, mas acredito que o cara fumou um antes de rodar, porque francamente se não for o pior filme que eu já vi na minha vida, está próximo. Com um elenco um duvidoso como Miguel Falabella, fazendo papel de Julio Cesar, a sem sal Alexandra Negrini interpretando uma Cleópatra com sotaque de Pato Branco, e um Bruno Garcia forçado como Marco Antonio. O que da mais raiva é que essa porcaria foi feito com dinheiro publico, uma vergonha alheia. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER), acho melhor não clicar.

Roger And Me

2010-11-05T07:05:00.000-07:00

Desde que conheci o trabalho do documentarista Michael Moore, que venho tentando assistir a seu primeiro trabalho importante, ocorrido em 1989, que foi escrito e dirigido pelo próprio. A estória tem como panos de fundo o fechamento de uma fabrica da GM na cidade de Flint, onde Moore nasceu que fica no estado de Michigan, que deixou 30.000 pessoas sem trabalho. O fechamento aconteceu para poupar uns trocos com salários numa mudança para o México, onde a mão-de-obra era consideravelmente mais barata. Durante dois anos Moore tentou sem êxito entrevistar Roger Smith, o presidente da GM, mas acabou fazendo o retrato de uma cidade que um dia foi modelo de bem-estar e entrou na miséria por uma decisão da mesma companhia que a levantou. Com uma contextualização impressionante, que poderia se aplicar a situações diversas inclusive no Brasil, o material é narrado em primeira pessoa, a linguagem faz parecer que o cara está na sala da sua casa, ao lado do sofá contanto uma estória de terror. O cineasta faz com que as pessoas saquem o que ele está tentando passar sem nenhuma complicação. Esse é o estilo que Moore criou, ele desenvolveu seu próprio subgênero documental, sarcástico, seco e inquietante, que persegue uma determinada pessoa. Esse documentário é pessoal sobre uma situação dolorosa ao extremo para o autor, ou seja, ele não é imparcial, apesar de eu não acreditar nessa palavra, mas claro aqui sua revolta é maior por pertencer ao local, mas fica claro que o contraste. A cena mais chocante é quando uma senhora que vende coelhos, seja para estimação ou alimento, esfoleia o animal e retira sua pele sem nenhuma dificuldade na frente da câmera. Como pode uma única empresa gerar tamanha dependência? Como as pessoas se acomodam em uma situação que lhes parece confortável, de repente, quando a situação muda drasticamente elas ficam desesperadas. A resposta do público fechou a boca daqueles que consideravam Moore um sonhador sem destino. Roger & Me se converteu no longa-metragem documentário que mais dinheiro tem feito na estória do cinema e Moore seguiu adiante, com o mesmo entusiasmo de antes porem agora com ais meios, com seus projetos de denúncia do lado escuro do sonho estadunidense. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Carancho

2010-11-04T07:02:00.000-07:00

“Carancho ”conhecido no Brasil como carcará, é uma ave tipicamente parasita, oportunista, que se adapta a qualquer situação, come de tudo e se aproveita de animais mais fracos, sem chance de se defender. Assim foi batizado esse filme sobre advogados inescrupulosos, que se aproveita de um sistema corrupto para prosperar literalmente com mortes e mutilações, ficando com a parcela “do leão”, lucrando encima das vitimas, e deixando-as com muito pouco. Sério, grave, a produção denuncia a indústria das indenizações resultante de acidentes de trânsito. Do mesmo diretor de “Leonera”, Pablo Trapero, o elenco tem novamente sua esposa Martina Gusman e o formidável Ricardo Darín, que interpreta Sosa, um expert em seguir ambulâncias, tendo contato desde os paramédicos, até a policia e o administrador dos hospitais, porém ele teve sua licença de advogado caçada. O aproveitador acaba se envolvendo com Luján, uma jovem médica que não conhece o mundo de Sosa. Mas ela também tem seus segredos, para agüentar seus plantões acaba viciando-se em morfina. Com um estilo de mostrar realidade ao público, o diretor começa o longa com fotos em preto e branco, pequenos pedaços de uma tragédia fazem o espectador despertar para um dia-a-dia que pouco conhecemos. Trapero lança um olhar agudo sobre a realidade argentina, mostrando às dificuldades financeiras das pessoas, a falta de estrutura dos hospitais, a corrupção. Tudo com personalidade, às vezes sombria demais, mas isso faz parte da realidade, do contexto nebuloso dessas relações de “trabalho” que não são mi do que um jogo de interesses, ganância e poder. Os protagonistas têm atuações ótimas e convincentes, porém o filme vai se enrolando com situações um tanto repetidas e que deixam os personagens seguir uma direção meio simplista e improvisada. Os último segundos do longa quase compensam essa derapada, pois o diretor não nos apresenta uma solução fácil. No roteiro Trapero divide o mérito com Alejandro Fadel, Martín Mauregui e Santiago Mitre. Utilizando lentes pra tornar ainda mais evidentes as cores duras e cruas da realidade, o diretor de fotografia Juliám Apezteguia junto com o diretor tem o cuidado de buscar o ângulo certo para cada cena. Todo filmado em Buenos Aires e com uma levada de filme noir, grande parte da película foi rodada a noite, para evidenciar os contrastes das cores de emergências, com o escuro de uma permanente sensação de falta de esperança. Tendo romance, intriga, uma levada policial, crimes e uma boa dose de realidade, essa é produção é a aposta da Argentina para uma vaga a categoria de Melhor Filme Estrangeiro no Oscar do ano que vem. Tá melhor que agente com a medíocre estória do presidente Lula. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Cantando na Chuva

2010-11-03T06:58:00.000-07:00

Logo no inicio a produção mostra a estréia de um filme, o ano é 1920, uma multidão entusiasmada aplaude a chegada dos astros. E assim começam as referencias que o longa esconde e revela. Na saída da première, Don Lockwood, papel de Gene Kelly, foge da multidão pulando sobre as capotas de carros e tetos de ônibus e escapa até cair dentro do conversível de uma garota. Existem três tomadas preservadas desse momento, que foi desempenhado por Russell Saunders, duble de Kelly nas seqüências de risco. O primeiro número musical do longa, com exceção da canção que acompanha os créditos iniciais, vem quando já temos quase meia hora de projeção. E logo Hollywood começa a falar, instala-se um momento de pânico, pois a indústria ainda não estava preparada para ouvir as falas dos personagens. A produção faz uma rápida passagem pelos principiantes musicais, com fragmentos de diversos números, e finaliza com uma interpretação completa da canção “Beautiful Girl”. Resumindo perfeitamente a história do cinema, quanto dramática, mas também foi engraçado a transição do cinema mudo, para o sonoro, eu não concordo com esse sonoro, pois os primeiros filmes eram apenas mudos, mas contava com uma trilha sonora, muitas vezes tocadas ao vivo, então para mim o cinema se tornou falado. Misturando nostalgia e sátira sobre os tumultos e triunfos da transição, a narrativa trás uma estória repleta de dinamismo e alegria de viver. A passagem coincide com a implantação do musical como um dos gêneros-chave. Repleto de homenagens, e cada um dos incidentes que são contados na tela aconteceram de verdade. Havia estrelas dubladas porque suas vozes eram inadequadas ao cinema falado, havia diálogos que iam e vinham num filme porque os atores moviam as cabeças e nem sempre os microfones, ou ainda estréias com platéia em que as vozes não tinham sido sincronizadas. Verdadeiras deusas para o público sumiram de circulação por causa das vozes que não correspondiam à imagem. Dramaturgos de Nova York foram contratados a peso de ouro para construir roteiros com diálogos sólidos. Não se trata apenas de um musical, ao falar dessa transição, a película nos entrega um pouco de tudo, comédia, romance, drama e visão histórica. É o melhor filme sobre a sétima arte, uma idéia que só podia nascer no cinema para o cinema. Tendo o roteiro criado a partir de músicas, quase todas já existentes da dupla Betty Comden e Adolph Green e não o contrario, o filme exala harmonia principalmente nas atuações alegres de Kelly, Donald O’Connor e da iniciante Debbie Reynolds. Gene Kelly que é co-diretor desse clássico que divide os créditos com Donen, que sabiamente transpuseram com humor e fantasia não só as tensões e as intrigas existentes desde sempre em um grande estúdio, como esse momento particular em que tudo, literalmente tudo, parece virado de cabeça para baixo em Hollywood. Contendo mais números musicais do que qualquer outro longa, coisa que nunca havia acontecido antes em outra produção, há 55% de música, em quase uma hora de números musicais. Os quatro criadores, os dois roteiristas e os dois diretores colecionaram muitas estórias da Hollywood muda, e também homenagens sempre pensando em aproveitá-las no script. Na MGM muitos técnico e atores, num dia eram deuses da tela e no dia seguinte viravam figurantes de sorte. Com um orçamento inicial de US$ 1, 9 milhões, a produção foi o último grande projeto aprovado por Louis B. Mayer antes de deixar a direção do estúdio. Criando o personagem de Lina Lamont para a atriz Judy Holliday, os roteiristas tiveram que mudar seus planos quando a atriz pediu um salário muito alto e foi tirada do projeto. A atriz Debbie Reynolds não cantava bem e, por ironia do destino foi dublada nas canções por Betty Noyes. Reynolds levantava às 4h da manha para tomar três ônibus para chegar até os estúdios da MGM, havia noites em que dormia por lá mesmo. Logo no primeiro dia, ela gravou “Good Morning”, após 14 horas de filmagem, quando os diretores gritaram o último “corta”, a atriz foi direto para a enfermaria, pois seus pés sangravam muito. Já Jean Hagen, que faz Lina, que tem uma voz estridente, dublou a si mesma quando a personagem fala com voz potente no filme que tem dentro da película. Donald O’Connor e Gene Kelly, bailarinos de escolas muito diferentes, ensaiaram bastante juntos para assimilarem os passos. O’Connor passou uma semana no hospital se recuperando, pois as jornadas de trabalho duravam 19 horas, seis dias por semana. O momento de “Singin’ in the rain”, Gene Kelly se tornou um mito do cinema e da arte. O cenário da cena em que Kelly sapateia nas poças de água de rua limpinha foi construído em um estúdio, a chuva era uma mistura de água e leite, para que se pudesse ver bem na tela. Mas a Califórnia sofria naquela época das gravações, de uma seca brutal, e quase todos os seus habitantes regavam os jardins antes de irem trabalhar, o que não restava pressão suficiente nas mangueiras da cidade. Adiou-e a gravação do momento histórico para o dia seguinte. No dia 18, começaram mais cedo, ainda sem Gene Kelly, que estava com uma febre altíssima, mas que se recusava a adiar novamente as filmagens, o número acabou se concluindo com êxito. Já para o breve momento do longo balé com Cyd Charisy, foi preparado o maior set que havia no estúdio, que tinha o tamanho de dois campos de futebol. Selecionaram os 70 melhores bailarinos dos Estados Unidos, e foram necessários três dias completos para concluir a cena. Custando no final US$ 2,5 milhões, o sucesso aconteceu desde a estréia em abril de 1952. Arrecadou no mundo inteiro cerca de US$ 7,7 milhões ao final de sua exibição. Foram vendidos milhares de guarda-chuvas impermeáveis e outros artigos que multiplicaram os gastos da MGM em merchandising. Tornou-se o musical mais famoso da história da sétima arte e suas imagens são as mais reproduzidas, foi imitado, homenageado e mencionado em centenas de produções posteriores, como “Quanto Mais Quente Melhor”, entre outros. O uso da melodia inocente do filme numa violentíssima seqüência de “Laranja Mecânica” não incomodou Donen, que era amigo de Stanley Kubrick. No começo dos anos 50 surgiram duas estréias poderosas, “Cantando na Chuva” que mostra o lado positivo da chegada do cinema falado e que celebrava esperança, e “Crepúsculo dos Deuses”, que estreou no ano anterior e que enfoca o lado pessimista da mudança, no inicio dessa época todas as produções pareciam azuis, todos os atores usavam ternos e chapéus azulados. Em 1950, o senador Joseph McCarthy intensificou sua “caça as bruxas”, alguns artistas com postura política, como os roteiristas Comden e Green ou até o próprio Gene Kelly estiveram na marcha do cineastas em Washington. No filme Debbie Reynolds é contratada para dublar uma estrela, ela então fica escondida da platéia, referencia essa os roteiristas relacionados nas listas negras, que só podiam trabalhar na surdina. Por trás de um musical, de um filme, nem tudo é felicidade, e Donen e Kelly mostraram isso. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Matrix

2010-11-02T06:57:00.000-07:00

Os filmes se tornam clássicos porque transformam o cinema com suas técnicas e estórias. Esse aqui no é diferente, “Matrix” é um filme imaginativo e de grande sucesso, tanto é que os irmãos Wachowski conseguiram o que queriam, o filme tem feito as pessoas pensarem. Funde então cinema de ação e aventura com metáforas filosóficas. A busca de Neo, primeiro pela verdade e depois pela razão de sua existência ou missão, traz elementos da jornada do herói mitológico clássico. Morpheus é o deus grego do sonho, e o Oráculo é um elemento essencial da mitologia grega. Neo é um anagrama de “One”, “um” em inglês, aponta para a tradição cristã e messiânica do salvador. Na mesma linha, o trio de protagonistas formado por Morpheus, Neo e Trinity pode ser interpretado como a Santíssima Trindade, a morte e a ressurreição de Neo reforçariam tal idéia. O filme inclui uma teia de referencias a filmes e livros como “O Feiticeiro de Oz”, “A Quadrilha Selvagem”, “Perseguição sem Tréguas”, “Alice no País das Maravilhas”, “Bela Adormecida” e “Bíblia”. Com um mosaico de influencias os irmãos Wachowski estabeleceram um novo patamar para a ficção cientifica no cinema. Do gênero cinematográfico o longa herdou o investimento em efeitos especiais de última geração, como o famoso bullet-time, que é uma técnica no qual se usa câmeras fotográficas para registrar o objeto ou a cena, posicionadas de maneira a reproduzir o enquadramento da câmera cinematográfica em múltiplos ângulos. Essa foi à maior contribuição da produção, a técnica de efeitos especiais é um recurso de animação computadorizada caracterizada por sua extrema maleabilidade temporal, que é lenta o suficiente para mostrar elementos normalmente imperceptíveis, como balas voando. Existe também a maleabilidade espacial, que multiplica os ângulos da câmera, que pode se mover em torno da cena em velocidade normal, do ponto de vista do espectador, numa dimensão tridimensional. Com isso os irmãos diretores elevaram os níveis de exigências dos espectadores relativamente à seqüência de ação hollywoodiana. Temperou a mistura com efeitos especiais engenhosos e cenas de ação vertiginosas que brincam com o tempo e o movimento, buscando o sabor dos filmes e desenhos orientais. Provou que filmes comerciais poderiam também despertar na platéia o interesse por assuntos que vão além de tiro e perseguição. No mundo das maquinas, a estética é austera, os ambientes são fechados, os figurinos estilizados, a musica sintetizada, e as cores pastel com predominância do verde das letras das telas dos primeiros computadores. O clima geral é de pasteurização e o foco aberto da câmera privilegia os cenários, nos quais os personagens se movimentam de maneira limitada. No mundo dos homens, a estética é despojada, os ambientes amplos, a música orquestrada, os figurinos simples, predomina o azul e o foco fechado no qual os personagens invariavelmente estão m primeiro plano. Os diretores Andy e Larry Wachowski foram irredutíveis ao escolher o Kung Fu para as cenas de luta. Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss e Hugo Weaving ficaram em treinamento diário por cinco meses. Na seqüência de treinamento de Neo por Morpheus, Neo toca o nariz com o polegar e o dedo anular, um maneirismo inspirado em Bruce Lee. O movimento foi improvisado pelo ator. Recorre, com esse intuito, a balés de artes marciais ao estilo de John Woo e a tiroteios em câmera lenta inspirados na obra de Sam Peckinpah. Os diretores aprovaram e incluíram no filme. Para as cenas em que Neo é resgatado da Matrix, as últimas serem filmadas, Keanu Reeves emagreceu 7 kg e raspou todo o corpo. Carrie-Anne Moss quebrou a perna no inicio das filmagens, Laurence o braço e Hugo deslocou uma vértebra do pescoço quando era suspenso por fios. A luta final entre Neo e os clones de Smith, filmados com extras que tinham um físico semelhante ao do ator Hugo Weaving e usavam mascaras com o rosto do personagem, levou 27 dias para ser filmada e consumiu US$ 40 milhões em efeitos especiais. As filmagens que duraram 25 semanas, ou seja, 118 dias, foram quase integralmente realizadas em Sydney, na Austrália, para viabilizar a produção. Os cenários dos becos americanos foram criados em estúdio. A atriz Gloria Foster, que interpreta o Oráculo, morreu em meio às filmagens das seqüências, depois de rodar todas as suas participações em Matrix Reloaded. Os Wachowski preferiram manter as cenas, e em Matrix Revolutions, a atriz Mary Alice deu nova cara para o Oráculo, que como um programa no interior da Matrix, podia ter a aparência que escolhesse. A General Motors doou 300 carros para a equipe de produção. Todos foram destruídos nas filmagens. Matrix Reoaded foi rodado simultaneamente a Matrix Revolutions, na Australia. O orçamento de Matrix Reloaded foi de US$ 127 milhões e a bilheteria em todo o mundo somou US$ 740 milhões. Matrix Revolutions custou US$ 110 milhões e acumulou US$ 425 milhões. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Fargo

2010-11-01T06:53:00.000-07:00

Esta é uma estória real. Os eventos descritos no filme ocorreram em Minnesota em 1987. A pedido dos sobreviventes, os nomes foram trocados. Por respeito aos mortos, o resto foi contado exatamente como aconteceu. É assim que começa essa comédia policial que foi escrita, produzida e dirigida pelos irmãos Ethan e Joel Coen que divide bastante a opinião das pessoas. Uma das especialidades dos Coen é transformar os gêneros clássicos de Hollywood -triller noir, comédia burlesca, drama de gângster de películas cujo tema é a evasão de uma prisão. Um dos trabalhos com maior dose de calor humano dos irmãos. A obra está repleta de cenas e piadas características dos cineastas, mas surpreende-nos ao retratar uma decência simples e sem rodeios, estranhamente consoladora. A estória é sobre um gerente de uma revendedora de carros, que esta todo endividando, e sua única saída, ao menos é assim que ele enxergar, é seqüestrar sua própria esposa, assim seu sogro milionário pagará o resgate. O homem então faz o acordo com dois marginais, mas, porém, entretanto, todavia, uma série de acontecimentos não previstos ocorre. “Fargo” não é um documentário, mas foi filmado como se fosse. A narrativa é extremamente cinematográfica, sem usar os diálogos como muletas. Luz, enquadramento, posição da câmera em cada cena, tudo reflete a vontade dos realizadores em transformar em testemunhas de uma estória, que se desenrola diante de seus olhos como em tempo real. Divertido espetacular, com uma estória simples e bem contada, personagens bem delineados, suspense e completamente focada no humor negro. Toda a emoção vem do que os personagens fazem e não da maneira como são mostrados, explorando ainda o contraste entre uma paisagem monótona, marcada por grandes espaços vazios e plena brancura de neve. Filmado por uma equipe pequena, quase que totalmente em locações e usando muita luz natural, feitas em dias cinzentos, as cenas externas tiveram que ser filmadas cada vez mais ao norte de Minnesota a Dakota do Norte e do Canadá, devido o inverno ter sido ironicamente quente. Em várias delas foi preciso acrescentar neve as locações, produzida artificialmente nas noites anteriores às filmagens. Excepcional diretor de fotografia Roger Deakins, que extrai tomadas panorâmicas das planícies cobertas de neve. Os Coen têm seu público específico, pois é muito difícil o estilo deles agradar a uma grande platéia. Eu mesmo gostei desse filme, mas dos outros, já fico com o pé atrás, não é meu estilo de humor. A filmografia dos irmãos tem uma particularidade que os definem, são os planos abertos e extremamente longos, que causam em até certo ponto uma narrativa bastante cansativa, mas com o propósito de contar uma estória pelas imagens em movimento. Está é a principal característica de se fazer filme. Eles constroem uma tragicomédia estranha e bizarra que, além de entrelaçar gargalhadas e aflição, estabelece contrastes marcados entre a inocência e simplicidade intrínsecas de algumas personagens e a de provação de outras. O texto trabalha de forma brilhante os elementos absurdos do crime, fazendo comédia com a sua dimensão bizarra. Responsáveis por uma das marcas autorais no cinema americano atual, baseado na alta estilização visual e na imaginação alucinante de suas estórias. Essa produção é um retorno dos autores à suas origens interioranas. Ele joga com os maneirismos, cadência e expressões locais, combinando a narrativa sobre crime e cobiça a uma critica ácida sobre um lugar vazio, de pessoa vazias, mas que pode gerar uma tragédia amoral. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Entre Dois Amores

2010-10-31T06:50:00.000-07:00

Em 1886, um acordo entre as potências européias passou a administração do país ao Reino Unido, com isso ondas de imigração de membros da elite européia em direção ao país continuaram a ocorrer nas décadas seguintes, é nesse contexto histórico que se passa o filme. “Entre Dois Amores” foi inspirado no livro “A Fazenda Africana” da dinamarquesa Karen Blizen, as estórias da escritora foram publicadas a partir de 1934 e colocaram-na entre os grandes nomes da literatura do século 20. O diretor Sydney Pollack devorou livros sobre hábitos, rituais e línguas dos habitantes do Quênia, onde rodou mais de 70% da produção, pois cenas como as de caça e a de confraternização na Dinamarca, do inicio do filme, foram filmadas no norte da Inglaterra. O elemento fundamental para transportar para a película a poesia de Karen foi a escolha narrativa do diretor, que dividiu a estória em seis atos separados por sete breves monólogos da autora, que é narrado por uma voz em off que compartilha suas memórias com o público, a técnica criou um efeito de empatia. Os produtores de objetos localizaram peças que pertenceram à escritora, que ainda estavam no Quênia. Grande parte das cenas das florestas e da selva foram filmadas na reserva nacional de Shaba. Foi necessário um ano para que os diretores de arte conseguissem construir uma replica de Nairóbi em 1913. Foram também reconstruídos a estrada de ferro, o Muthaiga Country Club e a casa de Blixen. Desde 1931 até os dias atuais, Karen Blixen continua sendo a única mulher que teve permissão para tomar um drinque no Country Club. A personagem Felicity foi baseada na escritora Beryl Markham, uma das primeiras mulheres a pilotar aviões. O diretor Pollack conheceu-a pessoalmente na fase de pré-produção do longa. Sir Henry DalympleWhite, baronete inglês pilotou da Segunda Guerra Mundial que se mudou para o Quênia, foi o responsável pelo vôo sobre os flamingos na água, uma das mais belas cenas do filme, ele pilotou até os 80 anos de idade. Foi necessário importar leões treinados da Califórnia para as filmagens na África, porque as leis locais proibiam o uso de animais no cinema. Meryl Streep, que interpreta a escritora, diz que na cena em que tenta espantar um leão co um chicote, o animal deveria estar preso a uma corda para não avançar sobre ela, mas não estava, e que seu terror na tela foi verdadeiro, estória essa negada pelo diretor. Responsável pela trilha sonora John Barry declarou ter se inspirado para a melodia principal do filme na expressão de alegria e amor de Meryl Streep, como Blixen, que do último vagão do trem que a leva para sua nova vida. A partir dali, nasceu uma melodia nostálgica, uma roupagem musical para a beleza do campo e o sentimento de perda daquela mulher. Com um orçamento de US$ 31 milhões, o filme teve uma bilheteria internacional de mais de US$ 128 milhões. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

To Shoot An Elephant

2010-10-30T06:47:00.000-07:00

O artigo “Shooting an Elephant” de George Orwell, foi originalmente publicado em 1948 e definiu um modo de ver a Ásia que ainda permanece válido. Como já comentei anteriormente, tenho selecionado os filmes muito pela capa, e o que mais chama a minha atenção são aquelas folinhas de louro dos festivais que a produção participa, seria meio que uma garantia de qualidade, nem sempre isso acontece lógico. O documentário da vez narra os acontecimentos do ataque do interior da Faixa de Gaza. Conflito que começou no dia 27 de dezembro de 2008 e foi até 18 de janeiro de 2009, a disputa terminou com a morte de 1.412 palestinos. O jornalista espanhol Alberto Arce estava se dirigindo para o local da briga a fim de filmar a dramática rotina ai vivida. Pouco antes da chegada do espanhol, Israel proibiu a entrada de organizações de ajuda humanitária e da imprensa estrangeira. Junto com sua equipe o jornalista conseguiu burlar o bloqueio e entraram em Gaza 10 dias antes de começar o ataque. Testemunhando a operação israelita “Cast Lead”, o material foi convertido em uma narração direta e privilegiada dos bombeio, que quererem ser uma ferramenta para fazer frente à propaganda israelense e ao silêncio internacional. Esse olhar sobre o conflito no Oriente Médio parte das imagens de um grupo de estrangeiros que conseguiram ficar acomodados dentro de ambulâncias, entre civis palestinos, durante dos mais de vinte dias de bombardeios. Diferente como os tradicionais documentários, aqui as imagens falam por si só, são provas incontestáveis da violação dos direitos do povo palestino e dos tratados internacionais. As equipes de resgate do Crescente Vermelho, equivalente à Cruz Vermelha, são alvos prioritários dos ataque, mas ninguém é poupado. O espectador talvez nunca tivesse tido a oportunidade de ver imagens reis, captadas de forma mais objetiva e direta possível do martírio do povo palestino em Gaza. Esse tipo de material não tem como ser analisado da mesma maneira tradicional de um filme comum. A brutalidade e o horror do que é registrado no documentário não permitem criticas estéticas muito menos comentários qualitativos. A direção aqui é dividida entre o espanhol Alberto Arce, já citado, e o palestino Mohammed Rujailah, que disponibilizaram o arquivo na internet. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Reino Animal

2010-10-29T06:45:00.000-07:00

A cilada dos louros no pôster. Produção australiana que tem como cenário a cidade de Melbourne. Típica estória universal de crime e violência, é narrado in off pelo jovem Joshua Cody que vai morar com a avó depois de sua mãe morrer de overdose. O menino de apenas dezessete anos pertence a uma família de criminosos e sua relação com um detetive que pensa que pode salvá-lo. As tensões são construídas entre os criminosos e os policiais que também não são santinhos, mas deixa de explicar muita coisa do passado dos personagens. O filme foi escrito e dirigido pelo estreante David Michôd. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Último Vôo

2010-10-28T06:34:00.000-07:00

Bill Lancaster é um famoso piloto inglês que desapareceu no deserto durante uma tentativa debater o record na travessia entre Londres e o Cabo. Marie Valleries é uma aviadora francesa que sobrevoa o deserto em busca de Bill, mas logo é obrigada a aterrissar seu avião próximo a um posto avançado de legionários franceses. Para continuar sua busca, ela se une a uma expedição dos legionários em território Tuareg. No papel da piloto é Marion Cotillard, que interpreta uma mulher obcecada em tentar resgatar o piloto desaparecido em pelo deserto do Sahara, na década de 30. O que move essa obceção é um pacto feito entre ela e o homem. Em passagens áridas, clima hostil que cercam um solo disputados pelos franceses e as tribos locais. A busca incansável permeia todo o filme. Quem comanda essa cara produção que foi um fracasso de bilheteria e critica é o cineasta franco-tunisiano Karim Dridi, que chegou a afirmar que não faria o filme em Marion na produção. Aparentemente inspirado em fatos reais, o roteiro é mal-escrito, o romance entre os protagonistas, que apesar de serem namorados na vida real, não acontece, tudo isso com um fundo político sobre a colonização francesa no norte da África. Essa produção que teve um orçamento de 12 milhões de euro foi rodada no Marrocos. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Lilo & Sticht

2010-10-27T06:26:00.000-07:00

Quanto Mais Quente Melhor

2010-10-26T06:21:00.000-07:00

A melhor comédia de todos os tempos, eleita em 1959 pelo American Film Institute, com todo o mérito, foi escrita pelo grande Billy Wilder que criou diálogos brilhantes de duplo sentido que marca todo filme, ele contou com a ajuda de seu colaborador habitual I. A. L. Diamond, eles foram inspirados na comédia musical alemã de Kurt Hoffman “Fanfarra do Amor” de 1951. A narrativa acontece no ano de 1929, o momento em que é instaurada a Lei Seca, que proíbe a comercialização de bebidas alcoólicas nos Estados Unidos. A atividade clandestina faz a alegria da máfia ítalo-americana. O mega-produtor David O. Selznick, o homem por trás de “... E o Vento Levou”, chegou a alertar Wilder de que o filme seria um desastre, garantindo que não se podia combinar comédia com assassinato, ainda bem que Wilder não deu ouvidos e produziu e realizou de forma independente esta comédia lendária e divertida de “travestis” e enganadores. Um ritmo estonteante, com situações impagáveis, que funciona de maneira perfeita nesta película memorável, tanto que culminou em um dos finais mais debochados de Hollywood. É o ponto alto da comédia americana do pós-guerra, que reúne paródia pastelão, farsa e sofisticação. De apelo sexual liberal, faz nostálgica homenagem às comédias e aos filmes de gângster dos anos 30. O espírito transgressor de Billy Wilder não perdoava ninguém e seu talento era único em misturar registros aparentemente contraditórios, por isso não surpreende que o diretor atreveu-se a rodar o longa em preto e branco, não só para realçar o ambiente de época, mas também para atenuar com infinita perspicácia o impacto da maquiagem de Curtis e Lemmon. Depois de cinco dias de testes de figurinos e cabelo, Curtis e Lemmom vestidos de Josephine e Daphne, foram passear pelo estúdio e retocar a maquiagem no banheiro público feminino para testar as personagens, ninguém percebeu a “montagem” e Wilder aprovou na hora, mas o diretor não queria que os seus dois heróis se comportassem de modo afetado, pois não poderia haver duvida alguma sobre a sua heterossexualidade. Era preciso então que tivesse um bom motivo para se vestirem de mulher. A cena da festa na cabine de Jerry, homenagem explicita a “Uma Noite na Ópera” dos irmãos Marx, são ecos que perduram em toda a seqüência de fuga fina, reverencia e ironia. Os atrasos, bloqueios de memória insegurança de Marilyn Monroe durante as filmagens se tornaram lendas, alimentadas pelos comentários de Billy sobre os mais de 60 takes para registrar uma única fala “It’s me, Sugar”, e os bilhetes espalhados no set para lembra - lá de outra, “Where’s the Bourbon?”. O elenco coadjuvante mostrou-se outro achado. Pat O’Brien, que faz o detetive Multigan e George Raft, que faz Spats Colombo, veteranos do cinema e dos filmes de gângsters, fizeram paródias de antigos personagens. Wilder num toque digno de melhor filmografia negra, nunca se esquece de filmar as entrada cruciais de Raft a partir dos seus inconfundíveis sapatos. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Um Bom Ano

2010-10-25T06:14:00.000-07:00

O que se esperar de um filme que reúne Russell Crowe, fazendo par romântico com Marion Cotillard e ainda tendo Ridley Scott na direção. Ok, não é a melhor produção de todas, mas vale ressaltar que se trata de uma produção peculiar, e que apesar dos defeitos que podem ser encontrados, é possível encontrar um charme, lógico que vai depender da interpretação de cada um, no caso a minha, é uma das minhas comedias românticas preferidas. Com um estilo de narrativa demasiadamente semelhante à de uma produção européia, o enredo é sobre um homem inglês que recebe como herança de um tio, um enorme vinhedo em Provence, na França. Ao chegar ao local às antigas lembranças reaparecem, em muitos momentos através de flashbacks da infância. Baseado no romance “Um Bom Ano” de Peter Mayle, amigo de Scott, a quem dedica o livro, e para quem escreveu tendo em mente transformá-lo em filme, o responsável pelo roteiro é Marc Klein, que conta com boas sacadinhas. Para quem conhece o trabalho do diretor sabe da sua preocupação com a fotografia de seus filmes, aqui não é diferente, que chega a da um ar de produção européia a película, fora dos padrões Hollywoodianos. O lado ganancioso e desumano de Max, personagem de Crowe, é mostrado nas fotografias feitas em Londres, onde Le passa sua vida adulta. Reparem nos tons azulados que dão esta sensação sombria e desumana. Já quando as cenas são na França, é visto o oposto, a maravilhosa fotografia tem tons alaranjados, quentes, que dão a idéia de calor humano, uma vida em família, não é a toa que provoca uma grande vontade se não de morar, ao menos visitar a pela região francesa. Russell Crowe gostou tanto da casa onde foi rodada a fita, que ao final da produção resolver comprá-la, é pra quem pode né. Não ficam só no título a referencia a respeito de vinhos, as metáforas sobre essa bebida, comparando sua essência com a vida, também são muito interessantes. A competente direção de arte retrata a beleza do lugar em tom quase poético. Além da visão futurista do diretor, que é possível ser notadas pelas formas geométricas que predominam através das figuras retas que compões os designers dos prédios londrinos, principalmente em seus interiores, Scott tenta presta dupla homenagem, primeiro ao cinema europeu em referências que vão de Jacques Tati à nouvelle vague, e ao cinema americano, principalmente às “Screwball Comedies” de Howard Hawks e ao otimismo sentimental de Frank Capra. As letras desde os créditos iniciais lembram muito os de filmes franceses dos anos 60. Outro espetáculo fica por conta da trilha sonora, que contribui com um charme a mais para o filme. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Justiceiro Mascarado

2010-10-24T06:07:00.000-07:00

Passeando pelos canais da TV, estava começando um filme meio misterioso e que tinha Eva Green no elenco, não pensei duas vezes, resolvi apostar. O filme se passa simultaneamente em dos mundos paralelos, uma Londres contemporânea e no outro lado está uma sociedade futura, em uma cidade com o nome Meanwhile City, onde a fusão do Estado com a Igreja passou a impor uma forte doutrina. Com um que de “V de Vingança” tem um argumento até interessante, mas o desenvolvimento da trama é mal conduzido. O roteiro é confuso, na tentativa de criar algo surpreendente acaba por ser mirabolante em excesso, deixando furos que prejudicam o andamento e entendimento do drama. A direção e o roteiro são de responsabilidade de Gerald McMorrow, no elenco ainda tem Ryan Philippe. O inicio não permite grandes expectativas, mas no final tudo se encaixa ou pelo menos quase tudo. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Twelve

2010-10-23T11:56:00.000-07:00

A narrativa é sobre adolescentes jovens e ricos, até aqui tenho certeza que você pensou em “Gossip Girl”, pois é o papel de traficante é interpretado por Chace Crawford, que protagonista o seriado também, e tem o fato de recentemente o rapaz ter sido preso com maconha..., e esse longa também tem uma narração em off, só que o narrador é Kiefer Sutherland, voltemos a estória. O foco no caso é um traficante de drogas que fica no meio da galera. A direção é de Joel Schumacher, o mesmo de “Batman Forerver” e “Batman and Robin”, foi escrito por Jordan Melamed, que o adaptou do livro de Nick McDonell. A produção tem mais cara do seriado mesmo, só que o detalhe fica por conta da qualidade que é péssima, meio produção do SBT. Quem também está no elenco tem o rapper 50 Cent e fazendo o amor do traficante está a sobrinha de Julia Roberts, Emma Roberts, que está em alta em Hollywood. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Triple Dog

2010-10-22T11:48:00.000-07:00

Um grupo de garotas passa a noite comemorando o aniversario de 16 anos de uma delas. Sedentas, nossa palavra meio forte para adolescente não?!, por aventura as meninas decidem participar de um jogo similar a verdade ou conseqüências. Queria entender por que filme para adolescentes, sobres adolescentes, são tão mau feitos, é subestima de inteligência?. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER). Mas é melhor achar uma coisa mais interessante.

Uma Prova de Amor

2010-10-21T10:58:00.000-07:00

Assim como a narrativa do filme vou direto ao ponto. A estória é sobe uma família e o caos que vira a vida de todos quando Kate inda pequena é diagnosticada com câncer. Ok, agora você vai s lembrar de “Um Amor Para Recordar”, mas esquece, como disse no começo do post, aqui o longa não começa suave para depois expor o enredo, ele já de cara joga o problema no espectador. Extraindo constantemente as emoções mais profundas, a película é contada através de entrecortados ponto de vistas dos membros da família, feito por narrativas em off e ilustradas com vários flashbacks, mostrando a dramática saga da família, entre realidade de dor e afetos que foram esquecidos no passado. Dessa maneira que descobrimos como o estado frágil de Kate mudou a vida de todos, desde o momento do diagnostico. Quem comanda este turbilhão de complexos temas, é Nick Cassavetes, que mostra uma estrutura narrativa similar a utilizada por ele em “Diário de uma Paixão”. Além disso, o diretor divide a autoria do roteiro com Jeremy Leven. Utilizando elementos que emergem lagrimas no espectador, de uma maneira sabia como cenas dos personagens felizes em câmera lenta e com música ao fundo, a sensação é de estarmos passeando pelo álbum de fotos da família. Usando texturas na composição das imagens por meio da ausência de foco e alguns momentos e a trilha sonora minuciosa de Aaron Zigman, parceria de Cassavetes em “Alpha Dog”, faz a mágica da multiplicação das lagrimas. Apesar de toda a família dar o seu testemunho na estória, o olhar que nos conduz de inicio é o da filha caçula que “só” veio ao mundo para poder ajudar a irmã doente. A pequena Anna, interpretada por Abigail Breslin, procura um advogado para pedir na justiça uma emancipação do seu corpo para fins médicos, já que desde que nasceu a menina ajudou com o cordão umbilical, depois mais tarde com o liquido de sua medula, depois foram várias transfusões e agora querem um de seus rins. O caso judicial fica em segundo plano, a prioridade narrativa é a estória não só da vida de Kate, como das pessoas mais próximas e os devastadores efeitos da doença. Mesmo sendo um tema já bastante batido, a produção que foi inspirada em um livro de Jodi Picoult, narra os acontecimentos de maneira cronologicamente alternada, acompanhamos a linha do tempo no presente, mas também temos flashbacks do que aconteceu no passado, e por serem longos e não haver efeito de passagem de tempo, acaba funcionando de forma positiva, tornando ágil o raciocínio da platéia. Acostumada a fazer filmes “fáceis”, como de ação e comédias, Cameron Diaz faz aqui o papel de uma mão desesperada, e convence de uma maneira sutil. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

A Batalha dos Três Reinos

2010-10-20T10:03:00.000-07:00

Depois de 16 anos em Hollywood, John Woo a casa tornou e rodou o filme asiático mais caro até hoje, orçado em US$ 80 milhões, para quem andou muito tempo pela capital do cinema isso é razoável, mas confesso que deixa muita superprodução com orçamento superior, no chinelo, é o primeiro filme do diretor desde “Fervura Máxima” de 1992. A trama é baseada na batalha do Rochedo Vermelho e de eventos durante a extremidade da dinastia Han. Ambientada nos séculos II e III, período em que a China foi dividida em três reinos após a queda da dinastia Han. Contando a estória das dinastias que entram em guerra e que definiram o futuro da China. Esse longa épico da guerra naval tem um enredo que se desenrola de forma dinâmica com um bom contexto histórico, sem deixar monótono e mostrando ainda a importância d estratégia e do planejamento, bem ao estilo John Woo. Além da direção Woo participa do roteiro junto com Klan Chan, Cheng Kuro e Heyu Sheng, que se basearam em uma passagem do livro “Romance of the Kingdoms” de Guanzhong Luo, que foi escrito em 1350, mas o livro que influencia de uma forma mais extensiva a produção é “A Arte da Guerra” de Sun Tzu. Fazendo um excelente trabalho, o diretor não permite que a salada de nomes, reinos e hierarquias confunda principalmente o espectador que não está familiarizado com a história. A apresentação é de forma didática a cada um dos senhores feudal, generais e conselheiros. Cada personagem é tipificado de um jeito, e esse resumão, ao invés de reduzir o potencial desses personagens, consegue nos dar um painel amplo do que esperar, quando a batalha começa. Não são só as belíssimas batalhas dos dois exércitos, Norte e Sul, que o diretor mostra de forma glamorosa para o público, mas tem também o olhar atento ao comportamento dos guerreiros tanto antes como após cada combate, tudo com muitos jogos de estratégias e inteligências de uma guerra. Dono de um senso de ritmo inigualável, Woo mantém seu DM tanto para cortar seqüências colossais com cenas de singeleza, como para exercitar sem a preocupação a glamorização da violência, e tudo isso com uma fotografia impecável com um toque de mestre. Nas mãos de Woo, todo o tipo de ferramenta de cinema de ação, mesmo as mais cafonas, como as fusões de imagens caem bem. O compasso das lutas, que soam mais como danças, não se dá a algum tipo de encenação, mas sim um jogo de aproximar, rodar e afastar que o cineasta impõe na montagem. A produção que foi financiada por investidores d China, do Japão, da Coréia do Sul e de Tawian, contou com cerca de cem mil soldados cedidos pelo exército chinês, para que interpretassem gente extra nos filme. Tendo aproximadamente quatro horas de duração, a produção foi dividida em duas partes em seu lançamento comercial na Ásia. Já em território americano e tupiniquim foi exibido uma versão compacta, o motivo da diferença seria a quantidade de personagens e seus nomes similares, que poderiam confundir o público que não está familiarizado com a história, muito diferente do espectador asiático, a versão compacta tem aproximadamente cento e cinqüenta minutos. Sou meio suspeita para falar das produções orientais, que estão entre as minhas favoritas. A forma harmoniosa de trabalhar as cores com o ambiente e ainda ter um significado para a estória, é simplesmente fascinante. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Dúvida

2010-10-19T09:06:00.000-07:00

O cenário é uma escola St. Nicholas, localizada no Bronx, em Nova York. É 1964 e o colégio recentemente aceitou o seu primeiro aluno negro. Comandada pela carrasca irmã Aloysius Beauvier, interpretada por Meryl Streep, que acredita no poder do medo e da disciplina, ela enfrenta a oposição de seu superior, o padre Flynn, papel de Philip Seymour Hoffman, que tenta acaba com os rígidos costumes de educação da escola. Um dia a doce irmã James, papel de Amy Adams, suspeita que o padre esteja dando atenção demais a Donald, o aluno negro. Um filme de pura reflexão, que de fato é bem parado, faz uma grande abordagem sobre o tema da “Dúvida”. De um lado, uma freira ortodoxa que tenta provar a todo custo, mesmo sem evidencias concretas, que um padre liberal abusa sexualmente de um menino negro de apenas 12 anos. O longa que é uma adaptação da premiada peça, que recebeu o premio Pulitzer em 2005, que tem como roteirista e diretor John Patrick Shanley, o próprio autor da peça, que dedica ao final da película a obra a irmã James. Isso poderia levar o espectador a pensar que a fita baseia-se em uma estória real, mas o apenas o pano de fundo é real. Toda a produção foi rodada no próprio bairro do Bronx, e o prédio que parece como sendo o de St. Nicholas é a própria escola. Por ter sido concebido como uma peça para quatro pessoas em dois cômodos, alguns elementos não se adaptam tão bem à linguagem cinematográfica. Há tomadas em ângulos verticais que não deixam claro o propósito do diretor. Uma ventania inexplicável, que pontua os momentos de tensão do filme. A fotografia bem ria combina com o ambiente que o longa deseja passar. Atualmente é quase que diária noticias sobre pedofilia cometidas por sacerdotes, dessa maneira a temática do longa se torna bem atual, e com isso o julgamento do público também já está pré formado, mas a película não se trata apenas disso, é também uma critica o conservadorismo, uma análise profunda de personalidades com dificuldade em aceitar o “novo”, ou seja, um filme claramente de conceitos. Apesar de haver uma reflexão forçada entre moral e ética, não abalada pela excelente narrativa visual em conjunto entre câmera, figurino e cenário. O texto do longa não toma partido e tenta fazer com que o expectador em certas horas ache que o padre é vitima de calunias e em outros momentos ele é um monstro. Entretanto a interpretação de Meryl Streep tanta corromper o espectador não deixando espaço para um livre arbítrio. Poderia ser mais tensão no ar e um suspense mais angustiante, o diretor poderia ter arriscado mais, ser mais sutil e ambíguo a caracterização dos personagens. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

2019 - Ano da Extinção

2010-10-18T08:48:00.000-07:00

Um misterioso vírus se espalha pela Terra. Grande parte da população transformou-se em vampiros, e os poucos humanos que sobreviveram passaram a ser criados como “gados”, para alimentar os dentuços. A escassez de sangue está próxima, e Ethan Hawke interpreta um vampiro hematologista que trabalha em uma grande corporação que busca um substituto sintético para o saboroso liquido vermelho, mas acaba se confrontando com a sua humanidade. Na direção estão os irmãos gêmeos, que também são responsável pelo roteiro Michael e Peter Spreriq. Rodado na Austrália, o filme tem alguns problemas estruturais e de narrativa, assim como técnica simples, no entanto, a obra nos oferece várias seqüências de ação muito atrativas e um ambiente futurista e obscuro interessante. Os diretores se divertiram construído um mundo completo, uma sociedade que passa a viver enquanto a luz do sol se esconde. Criando um monte de detalhes, como os carros equipados com janelas de bloquear os raios ultravioletas, alarmes que indicam o nascer d sol, o teor de U.V.A, e por ai vai, extrapolando clichê do vampiro a favor da estória. Com um enredo relativamente semelhante ao de “Resident Evil”, que também envolve um vírus mutante, o longa se desenvolve com longos clipes de noticiários e tudo mais. Lançado diretamente em DVD no Brasil, a fita poderia ser melhor, pois tem uma ótima fotografia e interessante visual, o que realmente faltou foi empregar mais características e alguns personagens. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Homem de Ferro 2

2010-10-17T08:11:00.000-07:00

O primeiro foi uma surpresa total e talvez por serem raras as continuações consigam manter-se dentro de suas pretensões iniciais e não exagerar, muitas pessoas podem não gostar do segundo filme, mas ai vai a dica ver a produção em blu-ray e co um bom home theater, o chão treme, gente é sensacional. Com um perfeito equilíbrio entre ação e humor, a maior qualidade da fita é o foco nos personagens. Nesta continuação o fato de ter explorado o lance de o governo tentar conseguir a tecnologia usada na armadura do herói, favoreceu a estória. O vilão da vez é o Chicote Negro/Whiplash, que na verdade é uma mescla de dois inimigos do “Homem de Ferro”, quem interpreta o mal é Mickey Rouker, que chegou a visitar uma prisão em Butyrka em Moscou, para se preparar e treinar o sotaque russo do personagem, que durou quatro meses. Se não fosse o talento cômico e o carisma de Downey Jr., o próprio Tony Stark causaria repulsa, por conta do seu jeito narcisista e arrogante. Jon Favreau, o diretor, que também atua no filme, como o motorista de Tony, interessa-se de maneira igual pelos efeitos especiais super bacanas, câmera por todos os lados registrando a ação e as explosões, e pela conexão entre os elementos e como isso afeta os personagens, fazendo de maneira mais confiante. Favreua optou por aumentar a qualidade de personagens. Chegam os novatos para atribular as já complexas relações entre o trio protagonista. E é tão meticuloso, que sobra até espaço para cenas legais com Happy Hogan e Nick Fury. Ainda mais engraçado e desenvolvido no quesito leque de personagens, que estão mais agressivos nas cenas de ação. Scarlett Johansson que vive a Viúva Negra treinou artes marciais durante sete meses. Além das armaduras que reluzem aos olhos do público, tem três grandes seqüências explosivas. Em Mônaco, quando Whiplash ataca pela primeira vez, depois o emblemático confronto das armaduras, na casa de Tony Stark, e a última e gigantesca que faz parte do clímax, acontece na Stark Expo 2010. Todas elas são extremamente significativas, amarradas à trama e resumindo de maneira visual os dilemas já dramatizados. Todos esses momentos são embalados por uma trilha sonora produzida pela banda australiana AC/DC, que inclusive lançou um álbum com a trilha do filme intitulado “AC/DC: Iron Man 2”. 2010 é o ano em que os filmes de super-heróis completam uma década em cartaz, e por conta disso que os estúdios estão fazendo os diretores jogarem “com o regulamento embaixo do braço”, e vão continuar fazendo isso, só que agora o diferencial é a adição do 3D, que fará aumentar com certeza o faturamento dos caras. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

G.I. Joe - A Origem do Cobra

2010-10-16T18:13:00.000-07:00

Em 1963 uma coleção de brinquedos chamados “G.I. Joe” foi criada, aqui no Brasil os bonecos receberam o nome de “Comando em Ação”. O nome significa “Global Integrated Joint Operating Entity”, que nada mais é que uma organização de elite, onde agentes especializados, que enfrentam um fabricante de armas, que resolve mandar no mundo. A trama mostra as aventuras da tropa americana que utiliza equipamentos de alta tecnologia. Ok, até aqui nada que surpreenda e não irá passar disso, mas confesso que a soma do Blu-ray e do Home Theater, fazem das explosões e dos efeitos especiais, pura diversão. Na direção está Stephen Sommers, o mesmo de “A Múmia”, que confesso gostar, e “Van Helsing”. Ele declarou que se interessou em dirigir o longa, por estar ser a chance mais provável que teria de dirigir um filme ao estilo “James Bond”. Sommer realizou uma pesquisa em livros e revistas sobre armas, para saber quais os tipos poderiam existir realmente daqui a quinze ou vinte anos. Além disso, um dos produtores da série de animação que foi exibida em 1985 e 1986, Larry Hama, prestou consultoria para a fita. Com aproximadamente cento e sessenta sets para rodar a produção, cerca de noventa e cinco por cento do que vemos no longa envolve quase que completo versões virtuais em GC. A cena de perseguição nas ruas de Paris, na verdade foram filmadas em Praga, na República Tcheca, e demorou quatorze dias para rodá-las. Boas partes dessas sequencias consumiram grande parte do orçamento de US$175 milhões. Isso sem contar que na cena em que os caras perseguem o carro dos vilões pelas ruas da cidade luz, usando aquelas roupas “aceleradoras”, que tem duração de oito segundos e demorou cerca de um ano para criá-la do inicio ao fim. Sienna Miller que faz a personagem Baronesa treinou durante quatro meses e durante uma cena de luta com a atriz Rachel Nichols, que vive Scarlett, Sienna deslocou o punho e Rachel acabou se queimando. O nome da personagem Scarlett é uma homenagem a “... E o Vento Levou”, que tem como protagonista a personagem Scarlett O’Hara. Dennis Quaid aceitou fazer o papel de general Hawk, por insistência de um de seus filhos que é super fã da tropa. Quem faz uma participação relâmpago é o ator Brendan Frasen. Apesar de um filme de ação quase nunca apresentar surpresas em relação a atuação, aqui o ator Joseph Gordon-Levitt de “500 dias com ela”, faz o personagem cobra. A máscara do vilão foi redesenhada para o longa, pois os produtores acharam que a verso da série animada era muito parecida com as usadas pela Ku Klux Klan. O roteiro que conta também com os dedinhos do direto tem seus buracos como todo filme, mas o espectador não tem tempo de ficar pensando em falhas. A estória pode não ser a lá Sherlock Holmes e ter a profundidade de uma colher de chá, mas não deixa de ser menos divertido por isso. Um filme pipoca para fazer sucesso precisa ter embate claro entre o bem e o mal, ter um roteiro rápido, falas curtas, correria, explosões, muita computação gráfica e de quebra algum romance. O problema de se focar nessa formula de sucesso, é que coisas mais importantes estão sendo deixadas em segundo plano, e isso não preocupa nem um pouco os produtores, ainda bem que o cinema independente vem crescendo cada dia mais. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Corações em Conflito

2010-10-15T19:51:00.000-07:00

O que se espera de uma produção que tenha como casal central Gael Garcia Bernal e Michelle Williams, a viúva de Heath Ledger? No mínimo a fita tem que ser boa, não é, pois não é o que acontecesse aqui, a produção que é uma parceria entre a Suíça, a Dinamarca e a Alemanha, toda falada em inglês, tenta imitar o estilo de produções como “Babel” e “Crash”, com tramas e subtramas que se desenrolam em diferentes países, continentes e fusos horários, mas ao contrario de seus irmãos de estilo, esse aqui começa confuso e não chega a lugar algum. A narrativa gira em torno e um casal de nova-iorquinos bem sucedidos e da baba da filha deles, esses personagens são estranhos e parecem deslocados no mundo, como o pai, que tem mais espaço do que precisa e outros secundários que passam pelo Maximo de situações apelativas possível, forçando ainda mais o drama. Dirigido pelo diretor sueco Luka Moodysson e que conta com um produtor de peso como Lars Von Trier, famosos por seus trabalhos como diretor como “Dançando no Escuro” e “Dogville”. Os três personagens do núcleo central têm suas vidas em função do trabalho, seja ele por necessidade, por ganância ou desespero. Portanto o sentimento de culpa está constantemente presente em todos, que ainda sofrem com a solidão. O lado de qualidade que o filme tem é a direção de fotografia de Marcel Zyskind, que tem bons enquadramentos e uso de luz, mas que não tem forças para segurar o filme. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

As Melhores Coisas do Mundo

2010-10-14T19:53:00.000-07:00

Uma produção dirigida por Laís Bodanzky, à mesma de “O Bicho de Sete Cabeças” e “Chega de Saudade”, que fala dos adolescentes de classe média. É uma trama que discute os anseios e esperanças dos jovens e a participação da tecnologia em suas vidas. Ambientado em uma escola de São Paulo, o longa é um filme-cebola, pois ele vai sendo descascado camada por camada e dessa maneira ficando cada vez mais denso, mas sem cair no pieguismo. Roteirizado por Luiz Bolognese, marido de Laís, inspirou-se na série de livros “Mano” de Gilberto Dimerstein e Heloisa Prieto, mas além dessa matéria ele também teve um “apoio” de vários adolescentes, a partir de entrevistas feitas nas escolas paulistanas pela equipe do filme. Quase todos os atores não tinham experiências anteriores, que trabalharam em cima do que estava escrito no roteiro, mas com margem para possíveis improvisações. Os veteranos no elenco que fazem papeis secundários é Paulo Vilhena, Denise Fraga, Caio Blat, entre outros. Reunindo o grupo do elenco principal e os figurantes, a película contou com cerca de 300 meninos e meninas estreantes. Algumas cenas dão ao filme um documentário, pois nem sempre todo mundo sabia o que iria acontecer, como por exemplo, na reunião de pais, que contou com a participação dos próprios pais da meninada que figurava na produção, um tema foi jogado na roda e os pais foram discutindo e a equipe foi filmando tudo, ou seja, os depoimentos foram verdadeiros. Com figurinos adequados e com gírias na medida certa ajudam a complementar o filme que é divertido, envolvente e sensível. Construindo um arco dramático de seu protagonista com inteligência, é leve e não tem grandes pretensões. A diretora ainda aproveita para brincar com a câmera, exibindo técnicas interessantes, como a que permite congelar o tempo ao redor do protagonista. E não se esquecendo de que o responsável pela montagem do longa é o premiado Daniel Rezende, o mesmo de “Cidade de Deus”. Outra parte interessante fica por conta da trilha sonora, que pela primeira vez um filme brasileiro tem uma música dos Beatles. “As Melhores Coisas do Mundo” mostra um outro lado do cinema nacional, sem ser a fome e miséria. E mesmo sendo o tipo de filme que sabemos desde o começo o que vai acontecer, mas não importa, pois é muito fácil se identificar com os personagens, então nesse caso vale à pena torcer pelo clichê. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Bella

2010-10-13T14:05:00.000-07:00

O filme se passa em apenas um dia tendo parte na cidade de Nova York, o que é de praxe, e outra parte em uma cidadezinha próxima a big Apple. A narrativa é apresentada de uma maneira cruzando o impacto na vida de José, um mexicano que foi um famoso jogador de futebol, e de Nina, que está grávida e encontra-se no dilema de fazer um aborto ou criar a criança sozinha. Apoiando-se em dois personagens que tem algo em comum, o fato de terem sido bastante machucados pela vida. É justamente na simplicidade do filme, sem acontecimentos extraordinários, um dos elementos que fazem com que a gente se conecte tato com o longa. A produção retrata sem duplo sentido uma estória de amor e respeito a vida. No elenco esta Eduardo Verastegui, uma espécie de Jim Caviezel mexicano, além de atuar o moço ainda é cantor. No papel de Nina está Tammy Blanchard que já ganho um Tony, o Oscar do teatro. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Lobisomem (2010)

2010-10-12T14:04:00.000-07:00

O Lobisomem surgiu pela primeira vez nos cinemas em 1941, época que marcou os estúdios da Universal quando ficou famoso pelos filmes de monstros. Depois desse original a primeira refilmagem do terror aconteceu em 1961 com o nome “The Curse of the Werewolf”, que com Oliver Reed, utilizou uma adaptação do roteiro original, mas trocou o nome dos personagens. Neste novo remake tem a direçõ de Joe Johnston de “Jurassic Park III”, a trama reinventa certas situações, mas aproveita os personagens e o cenário do filme original, a Inglaterra Vitoriana do século 19. Com o roteiro de Andrew Kevin Walker de “A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça” e David Self “Estrada para Perdição”, que dão mais profundidade a estória original de Curt Siodmak, o diretor aproveita também para atualizar o tipo de horror da produção, já que o que assustava a platéia em 1940 não assusta mais hoje em dia. Especialmente fascinante, o monstro do título anda sobre as pernas como um homem, e corre feito um lobo, mas o diferencial do bicho da década de 80, e o rosto que não possui um focinho alongado e, além disso, ele assa o tempo todo vestido. Quem criou o monstro foi o mestre dos efeitos práticos e maquiagem Rick Baker, que quando ouviu falar sobre a produção marcou uma reunião com os produtores da Universal Pictures e se ofereceu para trabalhar nele, já que, Baker tornou-se maquiador por influencia dos filmes de monstros como “O Lobisomem” de 41. Propondo uma atmosfera sombria como deve ser e uma transformação aflitivamente bem feita de Benicio, mantém-se a fórmula batida do interesse romântico, Emily Blunt está presente apenas para que o público feminino tenha alguma identificação com o filme. Cheio de homenagens explicitas ao cinema de terror, misturando empolgantes cenas clássicas e seqüências estilosas modernas. Quem ganha também uma versão é o personagem histórico, o inspetor Scotland Yard que investigou os assassinatos cometidos por Jack, o estripador na década de 1880, e quem interpreta o personagem Hergo Weaving, que recebeu o nome Aberline. No elenco ainda estão Benicio Del Toro, Anthony Hopkins, entre outros. Apesar da cara de superprodução a fita tem um jeitinho de filme B. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Alpha Dog

2010-10-11T13:24:00.000-07:00

Produção lançada em 2006 do diretor Nick Cassavetes, que se dedicou durante três anos ao projeto de levar para as telonas o incidente que chocou os Estados Unidos nos anos 90. Um traficante conhecido como Jesse James Hollywood seqüestrou o irmão mais novo de um de seus clientes que estava lhe devendo, tudo para pressionar o viciado a pagar a divida, mas as coisas fogem do controle. Foragido, o bandido tornou-se a pessoa mais jovem a entrar na lista dos mais procurados pelo FBI. Cassavetes que além de dirigir também é o responsável pelo roteiro, precisou dar nomes fictícios aos personagens e alterar não só o título da produção como também alguns fatos, tudo para não te problemas com direito de imagem. Um exemplo é que em 2005 Hollywood foi preso pela policia Federal brasileira em Saquarema no Rio de Janeiro, onde o rapaz se passava por um estudante canadense e vivia na capital carioca com uma mesada enviada por seu pai. Por questões judiciais essa parte da vida do criminoso teve que ser cortada do roteiro, já que a defesa de Jesse alegou que o filme incriminaria ainda mais o rapaz, por isso o diretor substituiu o Brasil pelo Paraguai, mas tudo rolou ao som de “Garota de Ipanema”, belo protesto. A mudança não resultou nada a favor do moço contraventor, pois ele foi condenado à prisão perpetua coitadinho, fiquei até com dó agora, até parece. Abordando os três dias que durou o “seqüestro”, Cassavetes não se preocupa em estar o tempo todo relacionando ficção e realidade, o longa ganha um ar documental com pitadas de ficção, pois oscila momentos de humor e tensão. Por se basear em um fato, quem pretende ver a fita acaba criando uma expectativa com relação à mesma, mas pesar de não ser tudo isso, acaba sendo um bom filme. No elenco existe uma mescla de atores iniciantes e veteranos como Bruce Willis, que faz o pai do bandido, Emile Hirsch, que interpreta o traficante aos 19 anos, mas que no filme ganha o nome de Johnny Truelove. Ainda tem Amanda Seyfried, Bem Foster Sharon Stone e a grande surpresa na atuação o cantor Justin Timberlake. Stone é quem protagoniza a cena mais impactante, quando a câmera fecha um close-up na atriz, que está toda maquiada, lamenta a desgraça ocorrida em sua família, mas ao mesmo tempo tenta sorrir enquanto chora tudo para manter as aparências existentes na alta sociedade. A produção é um retrato de uma juventude vazia da alta sociedade Californiana que tem uma cabeça extremamente fraca. Com o estilo de montagem feita, o longa é quase todo apresentado de forma cronológica e objetiva, onde alguns trechos de depoimentos falsos de testemunhas são inseridos, seria uma simulação a lá linha direta com qualidade hollywoodiana. Nos créditos iniciais, por exemplo, surgem cenas de várias crianças brincando, é tudo material caseiro dos próprios atores de quando eram pequenos. Sinal divino, poder do cosmos, ou apenas coincidência, não sei, mas o nome do verdadeiro traficante é Jesse James Hollywood, uma fusão entre o nome de um dos bandidos míticos do velho oeste, com o símbolo mais poderoso da cultura de celebridade que e parte crucial do american way of life contemporâneo. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

El Cantante

2010-10-10T21:11:00.000-07:00

Olha to começando a achar que um dia todo mundo terá sua biografia lançada no cinema, pois é o personagem da vez é o lendário cantor de Salsa Hector Lavoe,interpretado por Marc Anthony que era conhecido como o Bad Boy da Salsa. Aborda o estrelato e a morte do cantor, passa por seu relacionamento com Puchi, que é vivida por Jennifer Lopez. Um dos pioneiros da salsa o astro que conquistou os Estados Unidos “Latino” dos anos 60 teve uma vida conturbada e marcada por vícios. A narrativa é na velocidade de um videoclip, onde a estrutura cronológica é mesclada com flashes, inversões de cores, legendas nos momentos musicais, deixando de lado um pouco as emoções que deveria ser dada ao espectador. Nos momentos musicais é mesclado com uma entrevista em preto e branco, que é quando a personagem de Jennifer Lopez aparece falando de sua relação com Hector. Dirigido por Leon Ichaso, a película é contada em flashback e os grandes saltos nos períodos na ajudam o público a agüentar o filme. Está é a primeira produção que o casal Marc e Jennifer trabalha juntos, e concordemos, não foi um BM começo. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Novidades no Amor

2010-10-09T21:08:00.000-07:00

Filme escolhido a dedo pelo controle remoto, sexta à noite, nada pra fazer e apenas a televisão disponível, ainda bem que tinha o telecine e o lançamento do final de semana era esse longa fofinho, bem estilo produção feminina. Protagonizado por Catherine Zeta-Jones, o enredo retrata um mulher que descobre que seu marido está lhe traindo, então ela decide se separar dele e mudar para Nova York com seus filhos pequenos. Os fatos são apresentados em menos de dez minutos depois que começado, sem enrolar a fita vai diretor ao assunto, que é mostrar a reconstrução da vida a protagonista, que agora tem que deixar de ser apenas mãe e dona de casa, precisa é arrumar um emprego e uma babá para suas crianças. Quem dirige o filme é Bart Freundlinch, mais conhecido por ser marido de Julianne Moore. Se você for mulher vai conseguir dar umas boas risadas. A única parte que não curti, foi à maneira encontrada pelo diretor para fazer a passagem de tempo, mas comédia romântica é assim mesmo. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Ninho Vazio

2010-10-08T21:06:00.000-07:00

O filme argentino é comandado pelo diretor Daniel Burman e tem um estilo meio filosófico, a estória é sobre um casal que tem três filhos e que sofre quando os seus filhotes crescem e ganham asas, deixando assim seus pais para trás e como conseqüência casa dos patriarcas vazia. O pai é um escritor que tem uma certa dificulade de escrever suas obras com o barulho do mundo, sua mulher toca a vida pra frente depois que os rebentos vão embora. Trata-se de como cada um lida quando uma mudança brusca acontece. O diretor insiste nos close-ups para pontuar a claustrofobia que o personagem Leonardo, o pai, se encontra. Devagar quase parando a película é vazia assim como o título. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Dupla Implacável

2010-10-07T20:57:00.000-07:00

O que me atraiu nesta produção, foi meu irmão ter locado e não ter outra coisa para assistir, acabei decidindo arriscar porque o diretor é Pierre Morel o mesmo de “Busca Implacável” que adoro, tá e sorte que tem o interessante Rhys Meyers. Com um roteiro cheio de buracos escrito por Luc Besson e Adi Hasok, a trama que demora a engrenar é sobre um complô terrorista para abalar a eminente visita de autoridades americanas que irão visitar Paris. Um problema ocorrido em novembro de 2008 fez com que as filmagens fossem adias, dez carros que iriam ser utilizados na produção foram incendiados. A produção é d EuropaCop, companhia que pertence ao co-roteirista Besson, teve suas filmagens nos subúrbios parisienses, diferente de “Busca Implacável” que mostra o luxo da cidade luz. Típico filme de homem, totalmente sem conteúdo, não resisti a piada, é uma aventura cheia de adrenalina destinada a divertir um público a rir de piadas carregadas de preconceitos contra chineses, paquistaneses e outros imigrantes, sem contar na enorme quantidade de socos, tiros e cadáveres que vão ficando pelo caminho. Em uma cena de tiroteio dentre muitas que acontecem, essa se passa entre uns manequins, tem a intenção de fazer uma homenagem a John Woo, que adorava fazer uma cena de luta coreografada, é o que acontece aqui. Se mesmo assim você ainda quiser ver o filme, a única coisa que me resta é desejar boa sorte. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Amor Extremo

2010-10-06T20:46:00.000-07:00

Mais uma estória verídica, desta vez o drama biográfico é sobre um dos maiores poetas de século 20 da língua inglesa: Dylan Thomas. O enredo descreve a vida do escritor, mas principalmente sobre toda a complexa relação de amor e ódio entre Thomas, sua esposa, a amiga de infância Vera Phillips e desta William Killick. A ação se passa em Londres e no País de Gales, nos anos de 1940, durante a Segunda Guerra Mundial. Quem produziu o filme foi a bisneta dos personagens de Keira Knightley e Cillian Murphy, Rebeka Gilberston. O roteiro ficou por conta de Sharman MacDinald, vulgo, a mãe de Keira, que se baseou em textos de Dylan Thomas “A Farm, Two Mansions and Bugalow” e de Esther Killick “Personal Sketch of Vava and Personal Sketch of Papa”, esta última acredito que seja filha de William Killick. Sharman escreveu especialmente para a filha o papel de Caitlin, mas Keira optou por interpretar Vera, sendo assim o papel acabou ficando com Sienna Miller, que realiza aqui o seu melhor trabalho até o momento. Na direção está John Maybury, para mim desconhecido, que encheu o longa de belos, mas cansativos close-ups dos rostos de Keira e Sienna. Na primeira etapa do filme o diretor aposta numa homenagem clara aos clássicos de romance. Em sua primeira aparição a personagem Vera surge com um efeito que causa um ligeiro desfoque, esse tipo de filtro provoca um resultado bem berrante, usado nas películas das décadas de 30 e 40. Todos os detalhes de reconstituição de época foram bem cuidados, os batons vermelhos, cigarros, tudo transforma em uma atmosfera de cenário melancólico. No começo do longa, o cenário são os submundos ao qual o pessoal se escondia das batalhas e bombas das guerras, mas na cena em que Vera enfim sai da toca, vemos barricadas e escombros, o ste é iluminado com artificialismo, parecendo mais uma cena tecnicolor, que é um processo de cores inventados em 1924 por técnicos americanos. Diante de um fundo pintado, invocado os dramas grandiosos da Hollywood dos anos 40. No comando da trilha sonora é de Angelo Badalamenti, conhecido colaborador de David Lynch, e, além disso, é a própria Keira que da a voz as canções que sua personagem canta. No inicio é possível se ter a sensação de que irá assistir um musical, devido ao excesso de musica no começo do filme, pois é só Keira abrir a boca que lá vem uma canção, porém mais para frente elas quase que desaparecem totalmente. A fita sobre a vida do poeta que morreu aos 39 anos em um concurso para ver quem bebia mais carece do mais importante, ou seja, de uma boa estória, pois não é porque a pessoa é importante que a estória da sua vida de um bom filme. Aqui a produção arrasta-se em cenas onde nada acontece e nada muda no que parece uma colagem de pequenos episódios que desfalece sem deixar qualquer marca no espectador. Novamente a nova tecnologia do Blu Ray empolgou mais pela qualidade e acabou transformando o longa em um martírio para se assistir. Não se engane com o trailer, que passa a impressão de que o filme deve ser maravilhoso, mas não é o resultado nas bilheterias americanas foi ridículo. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Banheiro do Papa

2010-10-05T20:41:00.000-07:00

Uma co-produção entre Uruguai, Brasil e França, o filme tem dois estreantes na direção de longas, o uruguaio, que é quase um brasileiro César Charlone, mais conhecido por comandar a fotografia de filmes como “Cidade de Deus” e “Ensaio sobre a Cegueira”, e Enrique Fernandez, que também é responsável pelo roteiro, e que nasceu na cidade aonde aconteceu os fatos. Ambientada em 1988 na pequena cidade de Milo, localizada quase na fronteira com o Brasil, quando o então Papa João Paulo II, faz uma meteórica visita a cidadezinha. A visita do Sumo Pontífice cria uma expectativa na população local, em grande parte pobre, que vê no grandioso evento a oportunidade de mudarem de vida, pois a televisão de maneira sensacionalista, Judá a aumentar a empolgação do povo, dando um enorme destaque ao pessoal que pretende comercializar alguma coisa. A euforia do povo com a visita do Papa que “abençoará” a cidade, não simplesmente com sua mensagem religiosa, mas também com o lucro avindo dos visitantes. O nosso guia por essa estória é Beto, vivido pelo ator Cesár Troncoso, que é um contrabandista que ganha à vida trazendo produtos do Brasil para as vendinhas locais. Enquanto Beto tem uma imaginação criativa, sua esposa é mais pé no chão, mais centrada. Ao passo que a maioria do povo pretende vender comidas aos fieis, Beto vai na contra mão, ele tem a idéia de construir um banheiro e cobrar uma taxa pelo uso. E nessa possibilidade de que ele acredita poder dar uma vida melhor à sua esposa Carmen e à sua filha Silvia, que quer estudar fora da cidade. A criatividade do roteiro transforma pequenas estórias banais em uma cativante obra de arte, o que apesar de ser um pouco lento na velocidade de uma bicicleta e meio repetitivo, é impossível não nos apegarmos a essas pessoas. Rodado lá mesmo na cidade de Melo, a película abre com uma câmera em contra mergulho, mostrando uma estrada de terra onde vemos a sombra de uma bicicleta. Com uma montagem ágil, filtros de luz, uma belíssima fotografia com foco nos humanos, seguindo a linha do cinema humanístico, chega a assumir um tom documental ao colher depoimentos de seus personagens sobre suas expectativas comerciais e utilizando diversas imagens de arquivo incluídas ao longo da projeção, confere ainda mais peso ao que estamos vendo. Misturado no elenco atores profissionais e amadores, os diretores conseguem extrair interpretações homogêneas. Cesár Troncoso é um dos únicos atores profissionais do elenco, e ele estabelece com seus amadores companheiros de tela uma dinâmica espetacular. Por ter uma direção dividida, o grande problema foi na hora da montagem, que os dois diretores acabaram divergindo um pouco. A solução só surgiu depois que Fernando Meirelles resolveu dar piteco na edição, ele montou uma versão sua, o resultado causou um grande choque em Cesár e Erinque, mas após isso a edição aconteceu e eles acabaram deixando algumas idéias de Meirelles. Produzido pela O2 filmes, o filme é triste, doloroso, mas com uma imensa simpatia e com uma dose de humor manso e apesar de ter momentos bem duros, é muito bem feito, é um pequeno grande filme. O cinema uruguaio tem aquela necessidade de rir da própria miséria e ao mesmo tempo insiste na importância do sonho, mesmo que não tenha nenhuma possibilidade concreta de acontecer. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

A Costela de Adão

2010-10-04T12:56:00.000-07:00

Sempre confundi Katharine Hepburn com a bonequinha de luxo, Audrey Hepburn, mas pelo que pesquisei no Google, ela não tem parentesco, se estiver errado alguém me corrija, por favor. Esta foi a primeira produção que assisti com Katharine, confesso que no começo, achei que seria um tanto quando chato, já que tenho vindo de uma maré de filmes no Maximo legalzinho, as como segui meu próprio conselho, agüentei guardei meu julgamento para o final, e pimba, m surpreendi e acabei me divertindo com a produção. Na direção está George Cukor, que dirigiu parte de “... E o Vento Levou”, que nos brinca com a estória do casal que o marido é Adam, é assistente da promotoria e sua esposa Amanda é uma advogada. Um belo dia pela manha ao lerem cada um o seu jornal, eles “trocam” opiniões sobre o episodio de uma esposa ter atirado no marido ao flagrá-lo a traindo. Brincando com a clássica guerra dos sexos os roteiristas da produção, o casal Garson Kanin e Ruth Gordon, inspirou-se na estória real dos advogados William e Dorothy Whitney, que representaram o ator Raymond e Adrienne Massey, em seu divorcio, o engraçado da estória é que no final o casal de advogado também se divorciou e acabou se casando depois com seus representados. Com as indicações do casal de roteirista, foram escolhidos para os papeis de coadjuvantes quatro artistas recém-chegados da Broadway. No papel da mulher traída está Judy Holliday, estreando nas telonas, já como a amante ficou com Jean Hogen, que por sinal era a melhor amiga de Holliday na vida real. Já o elenco secundário masculino ficou a cargo de Tom Ewell “O Pecado Mora ao Lado ”que encarnou o marido adultero, machista e simples, e para finalizar o vizinho músico que não perdia a oportunidade de dar encima de Amanda, foi interpretado por David Wayne. O enredo antecipa em quase 15 anos, ou seja, antes de Betty Friedman, o feminismo, pois a produção mostra mulheres saído de casa para trabalhar, e não fica só nisso, na cena em que mostra cada um lendo um jornal diferente como prova de suas divergências ideológicas. Mesmo tendo um processo de criação muito rápido, a película foi bem realizada. Logo no inicio o longa se passa na zona de Wall Street, perto de Battery Park, as filmagens aconteceram em um estúdio de Nova York, cidade locação das tomadas internas e externas. Cukor conduz tão bem a direção que em certos casos o improviso parece parte do roteiro, como no caso da cena da conversa na cadeia entre a esposa e sua advogada, parece truque de interpretação de Judy tremer as mãos, mas o nervosismo ali foi real, pois esse foi o primeiro filme da moça, além disso, diferente de hoje em dia que a maioria dos atores pensam mais em si do que na produção, nesse mesmo trecho quase todo o dialogo pertencia a Katharine, mas ela pediu ao direto que a câmera focasse o roso de Holliday por cima de u ombro, assim o público poderia ver a reação de ambas. Refilmado em 1956 na Bulgária, a televisão norte-americana realizou uma versão homônima em uma série de 13 episódios, cada um com meia hora, em 1973. O papel de Amanda foi interpretado por Blythe Danner, a mãe de Gwyneth Paltrow, e em 1989 é novamente refilmado, só que dessa vez na Rússia. Vê se alguém concorda comigo, os traços da atriz inglesa Tilda Swinton são parecidos com os de Katharine Hepburn!?. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Leonera

2010-10-03T12:53:00.000-07:00

Depois que todo aquele burburim que aconteceu quando Rodrigo Santoro fez uma participação de estrela cadente em “As Panteras - Detonando”, qualquer filme estrangeiro que ele participa agora, é meio que uma obrigação assisti-lo para vê o quanto ele aparecer e como está sua interpretação. Depois de muito tempo eu tomei coragem e resolvi conferir a produção, que apesar de ser Argentina, tem uma parceria com a VideoFilmes, empresa brasileira dos irmãos Walter e João Moreira Salles. Com direção de Pablo Trapero, o filme começa com uma abertura bem infantil, que tem como trilha, a música do brasileiro Paulo Tait, com letra em castelhano, mas logo depois já são introduzidas cenas fortes e confusas, em planos fechados e com poucos diálogos, uma tentativa de fazer com que o espectador se aproxime mais da personagem Julia. Na estória a jovem de classe média desperta em seu apartamento ensangüentada e sem saber o que aconteceu, mais a frente percebesse que ela não está sozinha no apartamento, Nahuel namorado de Julia, está morto e Ramiro, amante do de Nahuel está ferido. Sem ter a menor idéia do que aconteceu, Julia é processada, e se não bastassem tudo ela ainda está grávida. Diante disso, ela será encaminhada para uma unidade penitenciaria onde as mulheres que estão grávidas ou que já tiveram seus filhos cumprem pena. É a partir daí que decorrer a narrativa do longa, que mostra a jornada da maternidade encarcerada, pois de acordo com a legislação local, a presa pode ficar com o filho até os quatro anos de idade, após esse período a criança é entregue para algum familiar ou aos cuidados do Estado. Uma fita sobre a descoberta da maternidade, mostrando como um filho indesejado pode ser tornar essencial para a vontade de uma mãe em continuar vivendo. “Leonera” aqui tem duplo sentido, pois embora se refira ao espaço físico específico das prisões argentinas onde a personagem realmente transita, a palavra funciona mais pela idéia de “toca das leoas”, que se aplica ao pavilhão presidiário onde fica as mães e grávidas, espaço esse em que se passa a maior parte do filme. Diferente dos filmes brasileiros que tem como cenário de presídios, a produção não tem como função expor os maus tratos que ocorrem no presídio ou abuso por parte de outras presidiárias, é apenas ambientado em uma instituição carcerária. Expõe a contraposição entre a presença das crianças em um espaço duro que é o de uma prisão, que nos chocam em certos momentos através dos planos escolhido pelo diretor. Quem comanda o filme é a atriz Martina Gusman, que apesar de ser esposa do diretor, prova que não foi por nepotismo que conquistou o papel e sim por conseguir roubar a atenção totalmente para si, apesar de ter outros personagens no longa, como o de Santoro, que faz Ramiro, em todas as cenas Martina não deixa espaço para mais ninguém. Escolhida pelos hermanos como representante deles na disputa de uma vaga na categoria de filme estrangeiro do Oscar de 2009. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Amélia

2010-10-02T12:51:00.000-07:00

O que Hollywood ama é passar para as telonas é a vida de pessoas que tiveram algum tipo de marco na história, seria quase uma pesquisa no Guinness Book. Pois é, a bola da vez foi à lendária piloto de avião americana Amélia Eckheart, que foi uma das pioneiras da aviação e também do merchandising de celebridades, que vendia até malas para viagens usado seu nome. O longa, que é uma co-produção entre Estados Unidos e Canadá, se concentra em mostrar a carreira da piloto e todo o seu pioneirismo na aviação e a luta por espaço e reconhecimento das mulheres, ambientado principalmente no final da década de 20 e decorrer da década de 30, ou seja, uma sociedade que estava prestes a entrar em sua segunda guerra mundial. É a indiana Mira Nair que comanda o elenco que tem Hilary Swank, que tem uma impressionante semelhança como a verdadeira Amélia, ambas tem traços poucos convencionais e um pouco masculinizados, um caricaturado Richard Gere e um Ewan McGregor ligado no piloto automático; com um roteiro de Ron Bass de “Ran Man” e Ana Hamilton Phela. Optando por uma narrativa clássica, que começa pelo episódio mais marcante da piloto, que é sua tentativa de ser a primeira mulher a dar a volta ao mundo em 1937, a diretora usa alterna-se entre passado, que mostra o inicio da carreira aviadora de Amélia em 1928, e o presente, tudo com muitos flashbacks, narrações em off e um tom reflexivo da pessoa/personagem, pois é a própria que é quem nos conta sobre suas aventuras. Com muitos clichês em seus diálogos, a produção pode até ter um arzinho de épico, que apesar de mostram lugares comuns, que fazem as paradas da viagem pelo mundo parecerem imagens da National Geographic, tem uma boa fotografia de Stuart Drybursh. Já no quesito figurinos, cenários e pesquisa de aviões, francamente é necessário tirar o chapéu para a equipe, que consegue retratar com realismo o período em que a piloto viveu. Para não deixar o público pensar mal da boa moça, a diretora apresenta de maneira sem graça e sem função no filme, o breve flerte que Amélia teve com o piloto Gene Vidal. Longa e cansativa, a produção não tem uma paixão, não tem alma e não empolga o público, e mesmo tendo um final conhecido por todos, o desfecho é esticado até não poder mais. Um fracasso de crítica e bilheteria, já que a produção custou US$ 40 milhões e mal arrecadou US$15 milhões, a produção se tornou um filme convencional, sobe uma pessoa que não era nada convencional. Em 1994, um telefilme sobre Amélia foi produzido, e quem interpretou a piloto foi Diane Keaton. O único filme em que Hilary está feminina é em “P.S.: Eu Te Amo”, nos outros ela sempre aparece masculinizada. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Comer, Rezar e Amar

2010-10-01T22:48:00.001-07:00

Se tem uma coisa que me irrita é ir ao cinema, pagar caro no ingresso e escutar as explosões do filme de ação da sala ao lado, ai pronto desabafei. Ok, podemos prosseguir agora. A critica está caindo em cima, pois dizem que além de mostrar os italianos de uma forma caricaturada, o longa seria meio que conto de fadas, onde o único problema que a donzela da Julia Roberts enfrenta é a crise existencial. A narrativa mostra a jornalista Liz, que trabalha em um jornal escrevendo uma coluna de viagens, ela é casada, mas se descobre infeliz. Primeiro de tudo acho que quando se escolhe um filme para assistir, é importante tentar ao menos “comprar” a idéia que ele está sugerindo e degustá-lo de cabeça aberta. Então ao chegar ao final e só então após esse momento, se permita julgar a produção. Eu poderia até concorda com a critica, se o filme não fosse baseado em um best-seller autobiográfico de Elizabeth Gilbert, que vendeu mais de quatro milhões de copias. Com um orçamento de US$ 60 milhões, e que além de Julia Roberts, tem o interessantíssimo James Franco, Javier Barden. Segundo o que dizem, já que eu não li o livro, a adaptado foi feita ao pé da letra pelo diretor Ryan Murphy, que também assina o roteiro juntamente com Jennifer Salt, ele é famoso por séries como “Glee” e “Nip/Tuck” e tem Robert Richardson, ganhador do Oscar por “O Aviador” no comando da fotografia. Para nós brasileiros o longa homenageia a música nacional, com canções como “Samba da Benção” interpretada por pai e filha, João e Bebel Gilberto. Um aviso importante para você que pretende ver o filme, já vá alimentado ou come algo durante a exibição, não faça como eu, que foi com fome e viu Julia Roberts se degustando com aquelas comidas maravilhosas na Itália. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Grey Gardens

2010-09-30T18:53:00.000-07:00

Em 1973 um escândalo ocupou as manchetes dos jornais americanos. Autoridades do luxuoso balneário de East Hampton tentaram expulsar mãe e filha de uma mansão decadente, alegando falta de condições sanitárias, foi através da mídia, que o mundo descobriu que as duas moravam entre pulgas e pequenos animais. A notícia tomou uma proporção maior, porque quem vivia na casa eram as ex-socialaites Edith Bouvier Beale e sua filha Edie, que nada mais eram que tia e prima de Jacqueline Kennedy Onassis. Dois anos depois do incidente os irmãos Albert e David Maysles produziram um documentário, por sugestão de Jacqueline, sobre mãe e filha, no período de dois meses foi registrado o cotidiano com câmeras portáteis, o material virou um sucesso. Agora muitos anos depois, a HBO Films trás para a televisão uma produção que teve é a estréia do diretor comercial Michael Sucsy na direção, e divide o roteiro com Patricia Rozema. Com uma produção requintada e com ótimas interpretações, características constantes nos trabalhos da emissora, narra a difícil relação entre mãe e filha. Cobrindo quarenta anos, o longa tem uma estrutura não linear, o que deixa a fita um tanto cortada demais, teria sido mais interessante acompanhar toda a jornada indo da riqueza até a pobreza, o que não foi possível, segundo o diretor, por causa dos custos. Uma jogada interessante foi colocar partes do documentário onde as atrizes interpretam as verdadeiras ex-socialaites, além disso o trabalho de figurino e maquiagem são de extrema qualidade, caracterizando a atriz Drew Barrymore dos 18 anos aos 61 anos, enquanto Jessica Lange vai dos 38 anos aos 77. Somando a trilha sonora que assim como a maquiagem funcionam como selo de qualidade para dar mais veracidade e ambientação histórica, tem a captação das cores e nuanças diferentes da época que o diretor de fotografia Mike Eley realiza. Tudo é mostrado como se fosse um making off do documentário feito pelos irmãos Maysles, sendo muito fiel ao filme original, e através de pesquisas, procurou-se esclarecer alguns fatos da vida de “Big Edie” e “Little Edie”, reconstituindo a vida delas. Interpretando as protagonistas está Jessica Lange, interpretando a mãe e Drew Barrymore faz a filha. O material dos irmãos Maysles também inspirou em 2006 um musical na Broadway onde as duas mulheres em extrema decadência e precariedade coube a Mary Louise Wilson e Christine Ebersole, que ganhou o prêmio Tony, o Oscar do teatro, de Melhor Atriz em musical em 2007. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Casamento de Rachel

2010-09-29T21:21:00.000-07:00

Comecei a acompanhar a carreira de Anne Hathaway, quando passava na Fox, uma série que ela protagonizada que chamada "Get Real". Quando fiquei sabendo que ela iria protagonizar o filme "O Diário da Princesa" que posse uma série de livros, fiquei super animada, e depois disso nunca mais deixei de acompanha-la. Com esta produção não foi muito diferente, principalmente depois de saber que ela foi indicada ao Oscar pelo papel. Como aonde resido, nem sempre os filmes indicados são disponibilizados antes da premiação, essa produção demorou um pouco para chegar as minhas mãos. Um longa de baixo orçamento, tem um estilo um tanto experimental, já que o processo foi bastante espontâneo. No comando da direção está Jonathan Demme, o mesmo de "O Silêncio dos Inocentes" e "Filadéfia", que junto com o diretor de fotografia Declan Quinn, utilizaram a maneira documental de levar uma produção, pois não aconteceram ensaios e nem um ator tem o próprio close. Os atores não sabiam qual seriam o posicionamento da câmera, por isso muitas vezes as cenas não tinham fim, elas continuavam, por exemplo, houve uma ou duas tomadas que duram quarenta e cinco minutos. Muitos improvisos aconteceram, no momento em que começavam a rodar as tomadas, os atores iam interagindo enquanto alguém não "gritasse" corta, e por isso o diretor de fotografia deixava rolar a interação entre os atores. Haviam cinco ou seis câmeras filmando o tempo todo, por isso enquanto era gravado com os persongens, era produzido ao vivo a trilha sonora, os músicos estavam no jardim tocando, por isso os atores acabavam reagindo as músicas tocadas, que nunca se repetiam. Rodado em 33 dias, nas cenas noturnas que foram rodadas durante o dia, a equipe de iluminação utilizou um gel para cobrir as janelas, escurecendo assim o ambiente. Outra técnica para fornecer mais luz sem precisar ficar montando e desmontado cenários, algo que não caberia ao estilo utilizado para filmar, foram colocados lâmpadas com interruptores escondidos no teto, já que esse não aparecia nas cenas, e quando era necessário mais luz, as lâmpadas eram ligadas. Claro que se for ficar esmiuçando todo filme que vemos, sempre iremos achar algo que preste na produção, por isso analisando num todo, reconheço o filme esquisito, chega-se até em certos momentos cogitar se gosta ou não do que acabou de ver, mas é interessante, vale pela curiosidade, mas não o veria por uma segunda vez. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Almoço em Agosto

2010-09-28T19:35:00.000-07:00

O cinema italiano já tem fama de ser bem humanista, tá aqui mais uma prova disso, esse drama cômico, que narra uma estória cheia de empecilhos e alegrias. A produção é baseada em um texto de Simone Riccardini e Gianni Di Gregorio, roteirista de "Gomorra", que além de roteirizar a estória, que aposta em situações singulares, estreia na dirige e ainda interpreta o pesonagem central. Segundo Di Gregrio a ideia surgiu quando ele morava com a mãe que já tinha uma certa idade. Foi através dessa experiência que ele percebeu que além da solidão o maior medo dessas pessoas é o abandono, e mais que acima de tudo ele tem vida e força. Uma advertência antes de continuar a falar do filme, essa produção exige uma certa dose de paciência, acho que por falta dela e achei a interpretação as velhinhas, que por sinal nunca haviam atuado, parecem ter sido jogadas ali e meio que não estavam entendendo muito o que estava acontecendo. Ambientado na véspera do feriado de Ferragosto, que originalmente estava relacionado à celebração do meio verão e o fim do trabalho de colheita nos campos, mas dai a igreja Católica adotou a data para comemorar a ascensão da Virgem Maria, que é celebrado no dia 15 de agosto. Depois dessa aula de história, voltemos a estória do filme. A narrativa mostra um homem na faixa dos 60 anos, que cuida da mãe idosa e que está cheio de dividas e quase perdendo o apartamento que divide com a velinha. Para solucionar alguns de seus problemas, ele aceita a proposta do sindico de seu prédio. Durante dois dias ele irá cuidar da mãe do cara, mas o homem chega lá para deixar a mãezinha e acaba deixando a tia Maria também. Coincidentemente ou não, seu médico lhe faz o mesmo pedido, e assim ele fica de baba de quatro velhinhas de personalidades totalmente diferentes, a base de muito vinho e pratos típicos. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

100 Escovadas ante de Dormir

2010-09-27T20:28:00.001-07:00

A atriz Francesca Neri, mais conhecida no seu papel em "Carne Tremula", de Pedro Almodóvar, é uma das responsáveis por essa produção italiana, que é baseada no livro homônimo, que segundo a própria autora afirma, é uma espécie de autobiografia, com forte teor sexual envolvendo uma menina que está descobrindo o seu corpo, esse material gerou polêmica no país europeu. O drama que apesar de conta as aventuras sexuais e eróticas da adolescente siciliana Melissa Parnarello com então 15 anos, é conduzido pelo diretor e também roteirista Luca Guadagrino de forma infantil, transformando a estória polêmica e forte, em algo infantil e ingênuo. Não li o livro, mas pelo que ouvia falar dele, eu imaginava um longa chocante, cheio de cenas escandalizantes, mas a estrutura ficou superficial, e que não consegue convencer ninguém, nem mesmo a autora do livro aprovou a produção. Tendo um pai ausente e uma mãe relapsa, a menina tem como sua "tutora" a avó, da qual sua mãe tem ciumes, quando essa interna a senhora em um asilo, a menina perde seu chão. No papel dessa avó, está nada mais, nada menos que Geraldine Chaplin, ela mesmo, a filha de Charles Chaplin, que está muito bem no papel. Já a menina "rebelde" está a espanhola Maria Valverde, que apesar dos problemas de roteiro e direção, faz o seu melhor. O momento que era para ser mais impactante, quando a menina muda o seu comportamento, é realizado sem um pingo de credibilidade. Mais uma decepção da transposição fracassada da literatura para a telona. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Filho de Novembro

2010-09-26T22:18:00.000-07:00

Ok, mais uma produção alemã, mas desta vez é um roadmovie trágico, ou seja, um filme de estrada dramático. Esta produção é um trabalho de conclusão de curso da Academia de Cinema de Baden Württemberg. O diretor Christian Schwochow escreveu o roteiro dessa estória familiar que tem como pano de fundo uma Alemanha dividida, juntamente com sua mãe. Além do idioma, como disse no post anterior, já é um peso dramático, tem a tonalidade cinzenta e fria desse país. Outra estreante é a atriz Anna-Maria Mühe que desempenha um papel duplo, primeiro é a mãe, Anne, que é obrigada a deixar sua filha pequena com os avós de um lado do país, depois interpreta a filha, Inga, que 20 anos depois, após um estranho chegar a cidade sai em busca de sua mãe e seu passado. Já a participação de peso é a do renomado ator de teatro Ulrich Matthes. O filme é conduzido de uma maneira lenta, chega a ser maçante em certo momentos, mas a tensão fica no ar, quando o mistério do passado de Inga não se revela. Não é uma produção excelente, mas por saber a maneira em que foi concebida, ganha um peso a mais na hora de ser visto. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Paixão por Acidente

2010-09-26T19:59:00.000-07:00

(Sábado)

Aproveitando que hoje irei a um casamento, nada melhor do que uma comédia romântica para homenagear os noivos. Não é novidade pra mim ninguém que segue este blog que a minha pessoa tem uma queda por comédias românticas, e também amo muito o cinema europeu. Desta vez achei uma produção que reunisse estes dois elementos. Depois de assistir a este longa, que mostra a estória de uma escrivã que muito metódica, que mal foi pedida em casamento pelo namorado, com quem tem um relacionamento de sete anos, leva um pé na bunda quando o cara vai para a Grécia. Apaixonada ela decide enfrentar seus medos, como viajar de avião, tudo para reconquistar o amado. O detalhe fica por conta da descoberta de Vanessa, Tim já tem outra. Ela fará de tudo para reconquista-lo. Até ai uma comédia romântica normal. Mas o engraçado, ou melhor, o quebra clima da comédia é o idioma falado, o Alemão. A língua que é extremamente ríspida, tem uma carga dramática por natureza, então cheguei a conclusão que filme alemão só u romance drama, ou apenas drama mesmo. Detalhe, o casal principal não é esse ai do poster. (CLIQUE NO TÍTULO PARA O TAILER).

Meninas

2010-09-24T19:25:00.001-07:00

A produção que marca a volta de Sandra Werneck, de "Cazuza - O Tempo não Para", ao gênero documentário, ela produz e dirige a película. A diretora opta por dar voz a quatro jovens meninas cariocas, que tem entre 13 e 15 anos, não apresentado nenhum especialista, ou médico falando sobre o assunto. Acompanhando ao longo de um ano o cotidiano destas "meninas-mães", Sandra nos mostra sem muito aprofundamento parte da gestação de Evelin, que aos 13 anos está grávida de um ex-traficante; Luana de 15 anos, diz que planejou sua grávidez; e Edilene que aos 14 anos espera um filho de Alex, que também engravidou a vizinha Joice. Com um material aparentando estar bruto, o longa peca por mostrar apenas meninas de origem humilde, deixando aparentar que este "problema" acontece apenas nas camadas mais pobres da sociedade, já que fica claro pelos depoimentos que não é falta de informações sobre sexo e concepção, mas sim a falta de encarar com seriedade a possibilidade de evitar uma gravidez. Para contextualizar de uma maneira melhor, a diretora poderia ter optado por acrescentar no mínimo alguma estatísticas sobe a situação atual da gravidez na adolescência. No total foram 110 garotas grávidas que tinham entre 10 e 14 anos, moradoras de estados como Rio de Janeiro, Minas Gerais, São Paulo, Pernambuco, Ceará, São Paulo e Paraíba. A decisão de escolher pelas do Rio de Janeiro, aconteceu por ser mais fácil acompanhar o cotidiano das meninas ao longo de um ano. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Bonecas Russas

2010-09-23T21:56:00.001-07:00

Antes de começar a tecer elogios a este filme que tanto gosto, gostaria de fazer um pequeno comentário sobre o anuncio do péssimo filme "Lula" ter sido escolhido para representar o Brasil no Oscar. Cada vez mais nos últimos tempo tenho sentido vergonha de ser brasileira e chego a acreditar que o país só poderia melhorar novamente se houvesse outro golpe militar, é triste isso, mas é a realidade.

Ok, voltemos as coisas agradáveis. Hoje estava pensando qual poderia ser o filme da noite, de repente me deu uma vontade de assistir novamente a esse filme. Ele não é uma comédia romântica do estilo açucarada, mas fala de amor, de sentimento e com um ótimos diálogos. Ele teoricamente é a continuação do também maravilhoso "Albergue Espanhol" de 2002, digo na teoria porque apesar do diretor e roteirista Cedric Klapisch trabalhar com o mesmo elenco ser, o enredo desta vez o foco é a vida de Xavier. Não é necessário assistir ao primeiro longa para entender esse, mas é uma coisa que recomendo, pois ambos são excelentes. A diferença temporal da estória é de cinco anos, Xavier está com 30 anos e conseguiu se tornar um escritor, mas não exatamente como ele tinha almejado, além de não estar muito satisfeito com o rumo que sua vida tomou no lado profissional, o mundo lhe cobra um amor, ou melhor dizendo, as pessoas as sua volta lhe cobram um relacionamento amoroso. O que nos aproxima do filme é podermos nos imaginarmos no lugar de Xavier, pois os seus dilemas são reais. Utilizando o dia-a-dia do rapaz como cenário, o longa urbano possui uma narrativa pouco linear e fora do comum, o detalhe que da um pouco de dinamismo para o filme é a marcação da divisão de tela, o que da um estilo peculiar e criativo desde o roteiro até a maneira como é filmado. A ação se divide entre as cidades de Paris, Londres e São Petersburgo, ou seja, é garantia de uma fotografia belíssima, e a trilha sonora casou muito bem, faz-nos desperta emoções, eu ainda vou viver uma paixão na Europa. Apesar da estória ser centrada no personagem Xavier, vivido pelo ator Romain Duris, quem rouba todas as cenas em que aparece é a lindíssima atriz Kelly Reilly, que vive a personagem Wendy. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Sex and the City - O Filme

2010-09-22T19:14:00.001-07:00

Quando um seriado ganha as telonas, a sensação é de que um episódio especial irá passar no cinema, foi isso que senti ao ver a produção. Pois é saudades de rever as minha queridas amigas mais glamourosas da Big Apple. É claro que como uma grande fã, consegui adquirir todos os seis boxs da série, e não por menos quando o filme chegou as telonas, fui duas vezes ao cinema, tá esse não é o meu máximo vendo o mesmo filme, recorde ainda pertencente a "Titanic" com quatro sessões no cinema. Se passando quatro anos depois do último episódio ter ido ao ar, em 2004, a produção é bem a cara da série. Por lógica não poderia faltar os maravilhosos figurinos de Patrícia Field. No comando do roteiro e da direção está o co-produtor da série Michael Patrick King, que deixou para trás as famosas cenas picantes, que eram muito comum na série, ou seja, o espírito não foi totalmente transportado para o cinema. Este ano foi lançado a segunda sequência, que é bem mais divertida que esse primeiro, mas que tem o figurino, símbolo da franquia, inferior a esse primeiro. Para que é fã e para que mulherada que gosta de ver lux, glamour, mulheres poderosas, esse é uma boa dica. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Segurança Nacional

2010-09-20T21:37:00.000-07:00

Qual poderia ser o resultado de um filme de ação brasileiro?. Não preciso nem responder que a tentativa de trazer um novo gênero para o cinema nacional foi pelas cucuias, o material ficou pior que novela mexicana, que adoro por sinal, podem me julgar. Quem tenta comandar trama, que pretendia estar recheada de ação, perseguição, tiros, explosões, é Roberto Carminati, nascido no Estados Unidos e filho de brasileiro, tá explicado porque de tantas semelhanças com produções desse gênero na América. Por ter dirigido novelas como "América" e "Caminho das Índias", o diretor coloca muito conceito televisivo no filme, deixando-o com muita cara de produção de fundo de quintal. Tendo como a premissa a Lei aprovada em 2004 que autoriza a Força Aérea a abater qualquer avião que entrar no espaço aéreo nacional sem autorização. A trama tem como cenários Manaus, Brasília e Florianópolis, essa última fica sem justificativa porque aparece. Realizado com o apoio do Ministério da Defesa e do Gabinete de Segurança Institucional da Presidência da Republica, até uma sequência com o "AeroLula", o avião do presidente foi utilizada. A parte da trilha sonora é totalmente incompatível com o clima que as cenas querem passar, e para concluir tem Tiago Lacerda interpreta um personagem que seria a mistura de Jack Bauer com MacGyver e além disso nos temos o nosso primeiro presidente negro, interpretado por Milton Gonçalves, que pela maneira de fala mais parece um presidente americano. A única cena que gostei, que achei ter um certo significado foi quando Milton Gonçalves em contra ponto com a bandeira do Brasil. Brasil tenta de novo, que esse não valeu. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Coração Vagabundo

2010-09-19T19:44:00.000-07:00

A curiosidade por saber um pouco mais sobre este artista que é um personagem importante na história da música popular brasileira, me levou a assistir a esse documentário que não é bem um documentário. O diretor Fernando Groistein Andrade, que tinha na época das filmagens 23 anos, produziu o que poderíamos mais chamar de vídeo caseiro familiar, pois o registro foi feito na técnica da câmera na mão, por isso em muitos momentos as cenas são tremidas ou ficam fora de foco. Groistein consegue criar uma intimidade com o cantor/compositor, fazendo-o conversar com a câmera de uma maneira informal, sentir-se completamente a vontade. O material captado faz parte da turne de 2004 "A Foreing Sound", referente ao álbum em inglês que Caetano gravou, shows aconteceram em São Paulo, Nova York, Tóquio e Kyoto. O que agrada no material é o tom lúdico e o humor de Caetano, que aparece muito diferente do que estamos acostumados a na midia, aqui está bastante simpático, cheio de sorrisos, e ao mesmo tempo tímido e um pouco acanhado pelo ambiente imponente das capitais estrangeiras. A maior parte do cenários são as ruas das cidades que Caetano passou, ele surgi vagando e divagando sobre si, sobre música, sobre o que surgi em sua mente. Ta ai uma coisa que achei chata, o cara ficar andando de um lugar para outro, sem um objetivo final e ficar filosofando sobre coisas pessoais, uma caminhada sem motivo. As duas parte mais interessantes são quando dois ícones do cinema aparecem, Pedro Almodóvar, fala de Caetano e de Paula Lavigne e o primoroso Michelangelo Antonioni se emocionando ao rever um plano sequência mito bem feito de um dos seus filmes. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Ratatouille

2010-09-18T22:24:00.001-07:00

Não vou começar dizendo que é uma das melhores animação da Pixar, não quero ser repetitiva, ops, acho que acabei de ser repetitiva. Nesta oitava produção da Pixar, é a primeira vez que a estória não tem como centro o mundo de seres expecificos, aqui existe uma interação entre o rato e o humano. A narrativa contra a mágica estória de um ratinho que diferente de seus semelhantes gostava de se alimentar do bom e do melhor, além de saber ler ele adorava cozinhar, por isso Remy o ratinho limpinho acaba se metendo em encrenca. Por causa de sua ousadia, podemos dizer assim, ele acaba se separando da família durante uma fuga por sua sobrevivência, é ai que ele decide sair dos esgoto e super a superfície, e então... começa a real aventura. É imperdível. Vou então focar mesmo só nas curiosidades, como por exemplo que o nome do filme é de uma receita típica do Sul da França, preparada com tomate, beringela, abobrinha e várias ervas, e ela pode ser degustada tanto quente quanto frio. A troca de direção que aconteceu, quem comandava no inicio era Jan Pinkava, conhecido pelo premiado curta "Geri's Game", mas por problemas na condução da produção a Pixar decidiu colocar Brad Bird no comando, ele que anteriormente comandou o divertido "Os Incríveis". O pessoal do estúdio além de se divertir trabalhando, os caras levam realmente a sério o trabalho, para poder saber como funciona o ambiente da cozinha, o produtor Brad Lewis e sua turma passara dois dias estagiando na cozinha do restaurante French Laundry. Depois de criar mais de 270 tipos diferentes de comida no computador, os alimentos foram preparados em uma cozinha de verdade e depois de fotografados para servir de referencia, eram comidos. No caso da pilha de alimentos orgânicos criada, foi necessário pesquisar o processo de apodrecimento dos alimentos frescos, quinze tipos de hortifruti diferentes foram deixadas exposta até apodrecem. Já para a maravilhosa e realista Paris que enaltece como cenário a história deste fofo ratinho, foram tiradas mais de 4500 fotos da cidade, para servir de referencia durante a produção. É impressionante como os desenhos da Pixar conseguem provocar sensações, sentimentos no público, eles não se contentam em apenas contar um simples estória. Outra coisa que me conquisto foi o fato de em certas cenas haver uma brincadeira com reflexos, como por exemplo quando Remy, o ratinho, olha pela janela da casa de Linguini, e admira a vista a romântica Torre Eiffel, só que o espectador recebe essa informação pelo reflexo do vidro da janela e pelo olhar encantado do roedor. Outro ponto que merece atenção é a textura e a iluminação que dão um realismo incrível. O visual reproduz com grande detalhe as texturas de tomates, cebolas, pimentões, beringela, cenouras e alho-poros. Cada nova animação que chega no mercado cinematográfico fica mais claro que já foi a época que todos os seres humanos tinham a mesma cara, indiferentes se eram homens, mulheres ou crianças, todos tinham a mesma fisionomia. Nessa produção por exemplo cada personagem tem sua característica e feições particulares, deixando assim mais real para quem assiste. Não fugindo totalmente do clichê de fazer referencias a grande clássicos, o diretor prefere lembrar alguns não tão de praxe, no longa o fantasma do Chef Gusteau que fica "importunando" Remy, exerce o mesmo papel de "consciência" que o Grilo Falante era para "Pinóquio", clássica animação de 1940. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Gattaca

2010-09-17T21:09:00.000-07:00

Filme quando é visto assim por acaso tem mais chance de agradar, isso é uma coisa que sempre repito aqui. Estava começando a me preparar para começar a assistir ao longa da noite, mas ai achei um filme começando na TV, primeiro nome que vejo é o do Ethan Hawke e depois aparece do da Uma Thurman, foi batata, nossa que gíria da minha avó, resolvi conferir a produção, acabei me convencendo de vez quando o maravilhoso Jude Law deu as caras na tela. Ficção Científica de 1997, o enredo se passa em um futuro, no qual ainda existe discriminação, mas aqui é de acordo com o código genético. A sociedade adota a manipulação dos genes para melhorar os atributos de cada ser humano. Vincent, personagem de Ethan, é um dos últimos seres "naturais", ou seja, que nasceu por meio de seleção "divina", já seu irmão tem um DNA geneticamente modificado, que irá lhe garantir o sucesso, não irá morrer de maneira precoce. Gattaca é o nome de uma sequência genética especifica encontrada no corpo humano. No comando da produção e responsável pelo roteiro está o neo-zelandês Andrew Niccol que escreveu o roteiro de "O Show de Truman". Uma importante reflexão sobre a maneira que a ciência pode e deve ser usada, os controles éticos e sociais. Nós não estamos muito distante de esse tipo de manipulação genética acontecer, pois até animais já foram clonados. Quando foi lançado nos Estados Unidos, a campanha de marketing colocou um anuncio no The New York Times, onde mostrava um bebê e em seguida tinha a seguinte frase: "Crianças feitas por encomenda". O anuncio obviamente causou uma grande polêmica, assim como o filme que recebeu criticas negativas tanto do público como dos críticos. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Lemon Tree

2010-09-16T21:06:00.000-07:00

O enredo tem como cenário Israel, para ser mais precisa, o local fica exatamente nos limites entre Israel e a Cisjordânia, ou seja, um território que não sabe o que é paz a muito tempo. Aqui o conflito que é causado por uma plantação de limão, é uma parábola baseadas em fatos reais, ela retrata bem as desavenças que o povo palestino tem com o lado israelense. Nessa co-produção entre Israel, Alemanha e França, o diretor israelense Eran Riklis, que viveu parte de sua juventude no Rio de Janeiro, trás no papel de protagonista uma atriz palestina, que vive uma viúva que tem como meio de sobrevivência sua pequena plantação, da qual herdou de seu falecido pai. Do outro lado está seu novo vizinho, o Ministro de Defesa de Israel. Devido ao cargo, é comunicado a mulher que por questão de segurança ao seu vizinho, sua plantação terá que ser extinta. O silêncio do filme, nos aproxima da tristeza das duas mulheres, pois a solidão é a maior companheira das duas. Abordando várias questões de uma maneira neutra, é visível perceber que cada lado tem um pouco de razão, e ao mesmo tempo que eles também erram em certo ponto, por isso passa a ser difícil imaginar um desfecho justo para o longa. O simbolismo da luta nos tribunais, representa o enfrentamento dessas duas nações rivais. Para os mais inteirados com os costumes árabes, é possível notar detalhes no roteiro sobre os costumes árabes. Quem surpreende além é claro da viúva, é a atriz Mira Navon, que vive a mulher do ministro, ela é uma estreante . Com uma carga dramática grande, e uma beleza tocante, o filme consegue mostrar que certos conflitos só podem ser resolvidos com um pouco de tolerância. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Sozinho

2010-09-15T22:42:00.000-07:00

Existe um lugar aonde seria muito estranho se apaixonar, e viver um romance. Para uma comédia romântica com um pezinho no drama, esse filme foge um pouco do cenário comum, tudo acontece na Turquia, para ser mais exata, em Istambul, que por sinal me impressionou por sua beleza, até então, ao menos para mim, desconhecida. Simples, o longa é bem legal, o casal é bonito, e a principio eles não tem química, mas com o decorrer do envolvimento é impossível pensar neles separados, e outra, a maneira como o personagem Alper é apresentado ao público, o deixa com um ar bem de safadinho, mas com o decorrer da narrativa tudo vai ficando as mil maravilhas, me despertou até a vontade de conhecer Istambul, e de quem sabe me apaixonar da mesma maneira. Se bem que no começo achei que ele era gay, pois tem uns trejeitos, a mão muito mole, gosta de cozinhar, sabe né gente, quando a esmola é demais o santo desconfia né, ou pode ser trauma pessoal mesmo, não sei. O enredo mostra Alper, um talentoso Chef que comanda seu próprio restaurante, uma bela tarde ele entra em um sebo em busca de um certo vinil, no mesmo lugar entra a jovem Ada, dona de uma loja de fantasias infantil, ela está procurando um certo livro. Ao vê-la, seu olhar já leh diz tudo. Ela sai da loja e ele resolve segui-la, é dessa maneira que começa essa engraçadinha estória. Com uma fotografia bonita, e enquadramento e movimentos de câmera criativos e expressivos, o filme é uma boa pedida para quem tá afim de conferir um romance um pouco diferente, ou melhor, de uma cultura diferente. Quando a película é muito diferente não se acha muita coisa sobre ela na internet, eu encontrei-a por acaso pesquisando sobre outro filme. Na cena final a Ada está com uma cara de poodle, por causa daquele penteado. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

O Ilusionista

2010-09-14T23:11:00.000-07:00

Uma produção tcheco-estadunidense, que foi inspirado no conto "Eisenheim, The Illusionist" escrito por Steven Milhauser, ganhador do prêmio Pulitzer em 1997 pelo livro "Yhe Tale of An American Dreamer". Repleto de imaginação e mistério, a estória só aproveitou o nome Eisenheim e algumas outras características. Em seu segundo longa, o diretor Neil Burger, que também é responsável pelo roteiro, usa muitos elementos do filmes do começo do século XX, como a estética com cenas pouco iluminadas. Além disso o diretor apresenta vestígios de técnicas introduzidas por George Méliès, um mágico que se entornou cineasta, ele utilizava a fantasia como narrativa, efeitos especiais como slow motion, stop motion, truques com espelhos, entre outros. No pano de fundo está a cidade de Viena, no período áureo do imperio Austro-Hungaro, no inicio do século XX, um amor proibido surge entre um rapaz comum, filho de marceneiro e uma moça nobre. Ficando no limite entre realidade e sonho, entre o consciente e o subconsciente, muitas das cenas usaram-se de truques simples de magia para evitar o máximo os efeitos especiais. Como todos já sabem, nem tudo no cinema se cria, mas tudo se transforma, e aqui nessa produção não foi diferente, a cidade de Praga que possui uma arquitetura gótica, foi o cenário escolhido para representar Viena, e o responsável por isso é o Dick Pope, que conseguiu valorizar os pequenos detalhes da produção e dos objetos que construi todas as cenas. O ator Edward Norton recebeu treinamento do ilusionista David Blaine, e teve a assessoria em magia do magico Ricky Jay. Outro filme de magica e ilusões foi lançado no mesmo período é "O Grande Truque", que também é ótimo. Apesar de já saber a resposta do mistério antes de ver o filme, pois alguém me contou, eu gostei do filme, mas ainda prefiro "O Grande Truque".(CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Busca Implacável

2010-09-13T21:45:00.001-07:00

Esta não foi a primeira vez que assisti a esse filme e foi por isso que dessa vez resolvi conferir a produção sem o auxilio da legenda, tudo para treinar meu inglês, mas vamos falar serio né, mesmo sendo extremamente charmoso escutar um britânico falar, entender é uma missão difícil. Assim como outro gêneros que produzem blockbuster que nem coelho, os filmes de ação não são inovadores ou mesmo surpreendentes, mas o que achei interessante aqui além da presença de Liam Neeson, que chegou a fazer treinamento de armas e golpes com Mick Gould, soldado das Forças Especial Aérea, é que o longa é frenético, rápido, empolgante e emocionante desde o começo. Com um estilo a lá trilogia Borne, o gatilho da ação acontece quando a filha do personagem de Neeson, vai passar as férias seguindo a turne d grupo U2, mas a garota de 17 comunica ao pai apenas que vai para Paris, para assim conseguir a autorização dele para viajar. Ele que é um reformado agente a CIA, sabe que o mundo é mau, ai tadinho, e por isso se preocupa com essa viagem, mas acaba deixando a garota, que por sinal é apesar da idade, bem criança ir até a cidade luz. Deixando claro desde o começo qual o caminho que irá tomar, o direto francês Pierre Morel comanda seu primeiro longa falado em inglês, ele que foi diretor de fotográfia e "Carga Explosiva" e "Cão de Briga". Com direção rápida, sequências de ação muito bem orgnizadas, jogo de câmeras que dão um toque a mais na empolgação da narrativa. Com cenas que podem chocar um pouco a quem não está acontumado, como garotas que são drogadas para se prostituírem e serem vendidas. Na produção está Luc Besson, que também figura como co-roteirista desse enredo que não me espantaria se dissessem que é uma estória verídia, mas não é. (CLIQUE NO TÍTUO PARA VER O TRAILER).

Up - Altas Aventuras

2010-09-12T21:59:00.000-07:00

Pode soar repetitivo sempre dizer que a nova produção dos estúdios Pixar é genial, majestoso e outra coisa assim, mas é a pura verdade. A cada nova aventura encontramos um novo mundo, cheio de cores, e experiências que nos levam rumo a viagem no mínimo emocionante. Nessa décima animação produzida pelos estúdios Pixar, quem comanda a viagem a lá padre paranaense é o mesmo diretor de "Monstro S.A.", Pete Docter. O enredo é sobre Carl, um velho ranzinza que vive sozinho em uma casa que está quase sendo engolida pelos arranha-céus da cidade, após acidentalmente bater em um pedreiro da construção ao lado, o senhor é mandado por ordem da justiça para um asilo, mas pouco antes de de ser levado para a casa de repouso, ele surpreende a todos quando balões erguem sua casa e sobe aos céus, o objetivo do amargurado Carl é trazer sua residência para uma cachoeira aqui na América do Sul. A trama inclui elementos da história clássica de Arthur Conan de "O Mundo Perdido" de 1912. Filme da abertura do Festival de Cannes de 2009, o longa trás o primeiro personagem de descendência asiática, o escoteiro Russell. Uma coisa divertida a lá Hitchcock, que o pessoal a Pixar faz é integrar personagens e objetivos de suas outra animações, como por exemplo Dug, o cão da raça golden retriever aparece em "Ratatouille", quando ele late para Remy, personagem principal da película do ratinho cozinheiro. Outra aparição é a engraçada bengala de Carl, que é vista onde o robô Wall-E vive. A equipe do estúdio não faz animação simplesmente por fazer, eles sempre fazem pesquisas para que a história e o que acontece nela, seja o mais verossímil possível, como as viagens e pesquisa que o pessoal fez para descobrir as variadas transformações do tempo, deformações em rochas e parte de gramas bem nítidas, e um desse lugares visitados foi o Estado brasileiro de Roraima, além disso eles fizeram um estudo para que conseguissem descobrir a quantidade certa de balões que são necessário para erguer a casa de Carl, foram preciso 2 milhões de bexigas. Essa produção que é rica em cores deu a voz de Chico Anysio para o mal humorado Carl. O filme se tornou a terceira maior bilheteria do estúdio, ficando atrás apenas de "Procurando Nemo" e "Toy Story 3", e além disso a animação foi a segunda a receber uma indicação ao Oscar na categoria de Melhor Filme. O primeiro foi "A Bela e a Fera" em 1991. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Na Captura dos Fiedmans

2010-09-11T20:55:00.000-07:00

A produção de hoje me foi recomendada por um amigo. O diretor desse documentário Andrew Jarecki iria rodar primeiramente um material sobre o mais famoso palhaço de Nova York, mas ao começar conhecer detalhar da vida daquele homem por trás daquela fantasia, começou a tomar conhecimento de uma grande história. Durante a adolescencia do rapaz seu pai um aposentado professor e seu irmão mais novo, são acusados de pedofilia. Andrew decide embarcar nessa e produzi o documentário, que mostra os dois lado dessa história, desde os investigadores que acompanharam o desenrolar dos eventos, até uma família que foi destruída. A grande sorte do diretor foi que a família dos acusados tinha mania de registrar tudo em Super 8 e VHS, o que dá um toque mais verossímil ao material. A maneira que desenrola o longa é um pouco confuso, pois não existe um ponto de vista específico, além disso única coisa claro em relação a família é a discórdia entre mãe e filhos. A primeira impressão que tive, devido a maneira como se inicia a película, é de que o autor da produção seria o filho do meio, que nem da as caras no filme. Apesar de ter tido a excelente ideia de mostrar os dois lados da história, ele pecou ao inserir trilha sonora e outros recursos artificias para tentar ressaltar a emoção em determinadas cenas, uma forma de manipulação. Esse documentário remeteu-me logo de inicio o caso que aconteceu aqui no Brasil, chamado "Escola Base" donos de uma escola infantil foram acusados de pedofilia por uma criança, mas depois de terem sidos condenados pela população e destruído a família, ficou comprovado que a acusação era falsa. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Efeito Borboleta

2010-09-10T20:01:00.000-07:00

Depois de uma eternidade tentando assistir a esse filme, calho de ter uma promoção na locadora e o felizardo foi ele. A muito tempo eu estava querendo conferir a tão falada atuação dramática de Ashton Kutcher, pois além de ser conhecido como marido de Demi Moore, o rapaz tem mais comédia romântica no currículo que a ficha suja de Paulo Maluf. Os diretores, isso mesmo, a direção desse longa foi dividida pelos estreantes Eric Bress e J. Mockye Gruber, que também escreveram a história. Narrando a história de Evan, um garoto que sofre de uma rara doença que o faz ter perda recente de memória, por causa disso ainda na infância ele começa a escrever diários. Já na faculdade o então rapaz resolve reler esses diários e é ai que ele descobre que os escritos são uma "porta de passagem" para o passado, ou seja, uma maquina do tempo. Após essa descobre Evan resolve tentar consertar certos erros do passado, mas as duras penas descobre que essas mudanças trazem juntos consequências. Tudo é apresentado de uma maneira bastante direta e convincente, além disso é interessante comprar a ideia que da obra, que é interessante, se não é lógico que se torna uma grande perda de tempo. Tendo um orçamento baixo cerca de 80% do filme foi desenhado em storyboard, por causa da quantidade de efeitos, especialmente nas cenas de transição para a realidade. A produção precisou achar sósias dos quatro personagens centrais, para as cenas em que mostram o grupo em etapas de diferentes idades. Nas cenas em que o cenário é um presidio, as filmagens aconteceram em uma prisão de verdade, cerca de 125 presos foram utilizados como figurantes, assim como nas cenas de lutas não foram utilizados dubles. Ta ai um filme que apesar de esperar muito para assistir, não me decepcionei, achei na verdade até interessante, e os efeito, são bem melhores do que os da serie "Crepúsculo". Realmente paguei pau para a atuação de Ashton, o cara conseguiu provar que pode ser mais que um corpinho esbelto na telona, mas ainda tem uma coisa que me intriga nele, por que todos os seus personagens tem o mesmo corte de cabelo praticamente. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Sicko

2010-09-09T21:26:00.000-07:00

Apesar de temperar seus documentários com uma leve salpicada de humor, o manifesto da vez de Michael Moore enfoca a relação perversa e lucrativa que existem entre o governo americano e as seguradoras de saúde do único país do ocidente que não possui um acesso universal a saúde. Fazendo uma radiografia da questão, Moore compara o sistema do Tio Sam, com o da Inglaterra, Canada, França e Cuba. O sistema francês é o melhor de todos, deu até vontade de mudar para lá, já que nosso sistema aqui não é dos melhores também, mas está relativamente melhor que do gringo americano. Muito se diz da postura de Moore ser imparcial, palavrinha essa que aprendemos na faculdade de jornalismo, e acreditem, ela nunca é posta em pratica, pois sempre tendemos para um lado da história, mesmo que seja mínimo, tendemos, mas ele apresenta dados que além de serem concretos, são assustadores. O cara consegue apresentar o que se propões, ele cria discussões sobre os temas, que são sempre polêmicos. Além de monopolizar o longa, pois produziu, roteirizou e dirigiu o filme, Moore apresenta essa obra que não só mostra a questão do tratamento a saúde, mas também da uma aula sobre humanidade. Vivemos em uma sociedade, mas cada dia que passa pensamos mais no individual. Temos que todos ao mesmo tempo puxarmos a corda para o mesmo lado, pois se cada um for para um lado diferente permaneceremos parados. (CLIQUE NO TíTULO PARA VER O TRAILER).

Parente Serpente

2010-09-08T18:54:00.000-07:00

Tempo seco, sintomas estranhos, acho que vou ficar "gipanha". A escolha foi pelo filme que teria a menor duração e teria a necessidade de se pensar muito, já que pela segunda vez, eu que não dou muito certo com tecnologia, apesar de ama-la, consegui apagar os mais de 500 filmes que eu tinha no computador. A produção italiana de 1992, consegue retratar de forma bem caricaturada o que seria uma reunião de final de ano em uma típica casa italiana. Começa com um garotinho narrando esse encontro, que não parece acontecer com frequência, cada etapa como a chegada dos tios e seus conjugues, as conversas sobre doença e pessoas conhecidas que morrem, as conversas maldosas em relação aos que não estão presente. A obra cômica dirigida por Mário Monicelli, fala da relação entre pais e filhos de uma tradicional família italiana, que se divertem e quase se matam, mas sempre mantendo as aparências. Não sei se é porque não estava muito bem, as achei meio confusos os tantos "ritos" que a família faz, com o peixe, os tantos pratos, o "coral" que passa cantando, me deixou meio confusa, o que causou um pouco de cansaço ao longo do desenrolar dos acontecimento. O que era para ser apenas uma ceia de natal acaba se tornando uma grande lavação de roupa suja, que provoca bastante confusão e com isso resulta em consequências tragicômicas. Com uma pitadinha de humor negro que me chocou(CLIQUE NO TÍTULO PARA VER UM TRECHO DO FILME).

Igor

2010-09-07T21:07:00.000-07:00

Hoje fui toda empolgada para a animação da semana, mas logo de inicio tive uma ligeira decepção, pois a dublagem estava em português de Portugal, mas depois decidi levar a situação para o lado cômico, pois realmente é engraçado ouvir as dublagens em línguas diferentes, soa muito engraçado. Porém o ritmo, o roteiro e alguns personagens não ajudaram muito, apesar de ser bonito a animação por ter um estilo gótico, parece uma imitação do estilo Tim Burton. Se passando em uma cidade fictícia chamada Malaria, entre os habitantes locais estão alguns cientistas que buscam aperfeiçoar suas invenções para a feira que logo acontecera no local, quem fizer a invenção mais maligna ser tornara uma espécie de celebridade. Os inventores tem ajudantes corcudas que recebem o nome de Igor, mas um desses ajudantes sonha em se tornar um amalucado cientista. O filme é um desdobrmento do curta "Igor: Unholy Frigoles". (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Uma Noite fora de Série

2010-09-07T00:07:00.001-07:00

(Segunda- Feira)

Segunda, véspera de feriado, a cerveja ainda não acabou, os amigos ainda estão por aqui, o nos resta a não ser uma comédia que exige zero de concentração, ou seja, seu único dever é divertir durante a sua exibição, logo não é um filme que tenha muito o que dizer. Tendo como casal protagonista Tina Fey e Steve Carrell, fica difícil não se divertir, é possível rir só de olha as experssões que os dois fazem, além de tudo a química cômica entre os dois é ótima, um completa o outro, transparecendo um casal real, ou seja, eles poderiam existir de verdade. A narrativa mostra um acomodado casal de Nova Jersey, que resolve fazer uma louca para, digamos, sair da rotina. Após tentar conseguir uma mesa no mais badalado restaurante do Nova York, o casal usurpa a reserva de um outro casal que não aparece no local, e durante o jantar a coisa que feia, dois capangas aparecem e os levam para conversar fora do estabelecimento. Além dos dois famosos comediantes, ainda fazem parte do elenco James Franco, Mark Ruffalo, entre outros. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Nem Sansão, Nem Dalila

2010-09-06T15:28:00.000-07:00

(Domingo)

Esta foi a primeira vez que tive contato com o trabalho de um dos maiores comediantes que o Brasil já teve, Oscarito. Paródia do clássico de Cecil B. De Mille, a versão tupiniquim é bem escrachada e chega a fazer uma crítica ao autoritarismo e populismo de Getúlio Vargas, que no ano anterior das filmagens era o então presidente do Brasil. Com direção de Carlos Manga, a ótima produção trás um humor a lá trapalhões bem no inicio da carreira, ou seja, na melhor fase. Com ares de super produção nacional que satiriza com bastante criatividade os bastidores da politica não só da época, como soa bem atual, só não tem que de sigilo na receita federal, até porque o filme se passa em grande parte na época dos filisteus. Tudo começa quando o personagem de Oscarito, um barbeiro arruma encrenca com um fortão que lhe pede para aparar sua barba, fugindo pra não apanhar, ele juntamente com outro cliente que tenta lhe defender, invadem com um carro um laboratório, no qual uma maquina do tempo está prestes a ser testada, ao se chocarem com o aparato, Oscarito, mais seu defensor e o cientista que construiu a maquina são transportados para bem antes de Cristo, é ai que a bagunça corre solta. Oscarito já nos colocava para pensar sobre a tralha política que que envergonha nosso país. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Exit - O Direito de Morrer

2010-09-04T23:09:00.001-07:00

Esta produção Suíça não chega a ser um longa-metragem, pois tem apenas 50 e poucos minutos, mas foi tempo suficiente mostrar que tipo de vida pessoas com doenças crônicas e deficiências graves enfrente e assim entender o porque da decisão de cometer um suicídio assistido. Sendo o único país do mundo aonde esse tipo de prática não é crime, a produção acompanha voluntários que trabalham na Exit A.D.M.D (Associação pelo Direito de Morrer com Dignidade) da sede suíça, que é a maior das cinco organizações que existem por lá. Prestando assistência aos doentes e familiares, o grupo que tem mais de 50 mil membros, ajudam em média 350 pessoas que abandonam a vida. Após assistir ao media-metragem e acompanhar o drama enfrentado, fica difícil não entender o porque do ato cometido. A seriedade do trabalho é percebida ao desde o principio, quando a organização recebe os pedidos, existem regras que são rigidamente seguidas. Uma boa produção para auxiliar em debates sobre o tema. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER UMA PARTE DO FILME).

Esqueceram de Mim 3

2010-09-03T20:56:00.001-07:00

Gente desculpa pela escolha, mas não resisti a minha descoberta. Após ver o filme pela trigesima vez, se não mais, comecei a pensar se essa franquia, que iniciou-se com Macaulay Culkin no papel do menino esperto, não seria responsavél pelo surgimento de outra franquia, a de "Jogos Mortais", é só prestar atenção nas torturas que os intusos enfrentam ao tentar pegar a esquecida criança, se juntar com o garoto do "Pestinha" ainda ai então fica tudo mais claro. Quando assisti pela primeira vez, ainda era na retro vhs, o assisti três vezes seguidas, de tão engraçado que achei, lógico que devo lembra-los que jovem e ingenua criança eu era. Outra coisa que deve ter aumentado depois dos lançamentos de "Alone Home", pois é agora eu falo inglês, foi as crianças desejando que suas casas fossem invadidas por ingenuos contraventores, sendo assim os jovem justicerios poderiam defender bravamente suas casas. Quem da o ilustre ar da graça na produção é Scarlett Johanson. É claro que prefiro bem mais o primeiro. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Cartas Para Julieta

2010-09-02T18:07:00.000-07:00

Mais uma vez New York, da o seu ar d graça abrindo mais uma produção cômica romântica, mas desta vez existe um sentido na escolha. A produção rememora constantemente a essência romântica de uma das mais famosa obra de Shakespeare "Romeu e Julieta", tendo que o cenário aonde a estória começa a se desenrolar é a cidade italiana de Verona, ao qual foi habitada pelo casal apaixonado. É lá que Sophie, interpretada por Amanda Seyfried, descobre a Casa e Julieta, onde são deixadas dezenas de cartas diariamente por mulheres ressentidas, ou seja, seria mais um "muro das lamentações" das mulheres. Após perceber que todo fim de tarde quando o local turístico está fechando, uma mulher aparece para recolher as amarguras largadas por lá, Sophie segue-a e descobre que um grupo de voluntárias responde aos "pedidos" de ajuda. Em uma de suas varreduras no muro, a moça descobre uma carta deixada a cinquenta anos atrás e decide responde-la e assim começando a desenrolar a estória. Narrando um amor proibido que nem o tempo disseminou, o diretor Gary Winik de "Noivas em Guerra" baseou-se no livro homônimo de Lise e Cecil Friedman, e tem como responsáveis pelo roteiro excessivamente previsível, José Rivera de "Diários de Motocileta" e Tim Sullivam. Além dos cichês típicos de uma produção romântica, o filme tem como melhor elemento a lógica beleza da fotografia do melhor da Toscannia. As paisagens europeias sempre convence com suas delicadezas e deixa até uma vontade no ar de se apaixonar em solo europeu. Complementando o elenco está o talentoso Gael Garcia Bernal, que aqui no papel do noivo ausente, passa do tom, além disso não tem o mínimo de química possível entre um casal. Quem acaba roubando a atenção mesmo é a diva Vanessa Redgrave, que junto o o ator italiano Franco Nero, dão vida ao amantes separados pelo tempo, a integração dos veteranos é tanta que não fiquei admirada quando descobri que são casados na vida real. O maior erro da produção mesmo está na péssima combinação das músicas com as cenas, deixando a trilha sonora perdida. Devo dizer que esse gênero não é típico de inovações narrativas, mas a busca do diferencial está no caminho que os protagonistas percorrem para chegar ao "e foram felizes pra sempre". Era possível ter aproveitado melhor a estória. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Do Começo ao Fim

2010-09-01T20:25:00.000-07:00

Esta produção é resumida pela critica como Polêmica, ou uma tentativa de ser. Além de mostra uma relação homossexual entre dois homens, o fato deveria ficar mais chocante por eles serem meio-irmãos, mas o foco fica mais no desenvolvimento entre os "casal" do que o impacto que o assunto iria causar socialmente. Sem mostrar pontos negativos, o filme segundo o diretor e roteirista Aluizio Abranches, é mais o amor carnal entre os irmão do que as reações adversas que o mundo poderia ter. Crianças dialogam texto muito elaborados, não verossímil as devidas idades. Apesar de cinema ser o real e o irreal, juntos ou separados misturados, exagerados, cheios de clichês ou não, o que tem que estar presente é o conflito e adivinham, o filme não tem. Iluminado até a última gota, o diretor de fotografia é Ueli Steiger que já trabalhou em grandes produções como "O Dia Depois de Amanhã" de 2004. A pequena verba veio de um patrocínio da produtora de Marco Nanini. A única coisa que não deixa duvidas é a entrega dos atores, que corajosos realizaram cenas bem ousadinhas. Devo confessar que assim como o filme, minha ideias estão conflitantes neste momento, assim como este texto. Ministério da Saúde Adverte esse filme pode causar reações adversar, como confusão mental ao analisar a produção e paixonite aguda pelos interpretes do filmes. Ao persistir esses sintomas procurar abstrair o assunto o quanto antes. Confusa estou. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Cidadão Kane

2010-08-31T19:28:00.000-07:00

Fechando o mês de Agosto com "CHAVE DE OURO" Depois de todo mundo dizer que este é o melhor filme de todos os tempo pela American Film Institute em 1998 e pela desde 1962 pela revista Sight & Sound. Todas a vezes que esse tipo de comentário é feito eu quase sumo dentro da roupa de tanta vergonha por nunca te-lo visto, mas resolvi tomar coragem e como tinha a tarde livre, era agora ou nunca, e foi. Este drama/suspense é de 1941 e foi produzido, dirigido e interpretado por Orson Welles, que fez sua estreia na direção de longas. Rapaz prodígio ele angariou fama com suas peças de teatro e narrações radiofônicas. A película que é uma biografia distorcida do magnata da imprensa William Randolph Hearst, foi construída sobre um emaranhado de pontos de vista relatados em flashback, terceiro filme seguido com esse tipo de narrativa, cansei. Cada personagem entevistado conheceu Kane de uma determinada perspectiva. Para poder realizar enquadramentos de baixo para cima, foi necessário que quase todos os sets internos tivessem teto visível, algo que era muito raro naquela época. Utilizando uma técnica conhecida como "deep focus", desenvolvida pelo diretor de fotografia Gregg Toland, era possível focar ao mesmo tempo o primeiro plano e o background, o fundo da imagem, assim como todos os outros planos intermediários, ou seja, conseguiam deixar todos os objetos dentro do foco da câmera, tudo com o auxílio de uma iluminação pouco convencional e lentes inovadoras de ângulo aberto e foco profundo. Faz-se o uso de sombras, o claro-escuro do expressionismo. A aplicação dessa técnica quebrou uma regra de ouro do cinema Hollywoodiano. Tendo estilo gótico, em alguns momentos foram utilizadas pinturas como cenários, como por exemplo na cena de tomada aberta da mansão/castelo aonde Kane morreu. Longa sequências sem corte, distorção das imagens para aumentar a carga dramática, closes utilizados de maneira contida, diálogos sobrepostos, sonoplastia criativa e uma majestosa atuação de Welles, não é a toa o título de melhor película. Só tem uma coisa que me "broxou" um pouco foi em determinado momento em que a câmera está posicionada atrás da cabeça de Kane, é possível perceber a maquiagem que foi feita para envelhecer Welles. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Criação

2010-08-30T21:21:00.000-07:00

Quem nunca ouviu falar em Charles Darwin é porque ou fugiu das aulas ciências e biologia ou dormi e babou na carteira durante as explicações e concrteza só acordou para fazer os exercicios que valiam nota, certeza. Pois é, depois desse moço ai figurar nos livros entre outros os escolares, resolveram que já era hora dele figurar também nas telonas, estreando ano passado periodo em que se comemorou seus 200 anos de nascimento, e 150 de sua renomada teoria das especie, depois desses mais que centenarios me senti a juvenil. O roteiro de John Collee que foi baseado no livro biografico "Annie's Box" que seu tataraneto, é centrado o drama pessoal do cientista, mostrado uma visão bem humanistica de Darwin. Caminhando a passos de vovózinha quando vai ao shopping, o filme apesar de chegar em certo momentos a ser maçante, consegue segurar o espectador através da curiosidade de entendeu o mundo que redeava o naturalista britanico, além é claro da fotografia que é muito bonita. Retratando o homem dividido que Darwin foi, pois amava sua mulher, uma religiosa que era sua prima de primeiro grau, e a crença de que o mundo como era conhecido não é uma obra divina. O fato que o influenciou na visão de cientista sobre a religião e o determinou a decisão de escrever sua famosa teoria, foi a precose perda de sua filha de dez anos Annie. Esta produção britanica tem como parte um conteudo biografico e outra parte ficcional. Interpretando o casal Darwin está o casal na vida real Paul Bettany e Jennifer Connelly. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Quincas Berro D'Água

2010-08-29T20:45:00.000-07:00

Primeiro de tudo devo confessar que nunca na história da minha vida eu peguei em uma obra de Jorge Amado, ok, é vergonhoso, é a realidade, mas como o que vale é a intenção, eu conferir esta recente produção que tem direção e roteiro de Sérgio Machado, que foi baseado em uma das mais célebres obras do baiano "A morte e a Morte de Quincas Berro D'Água" que foi publicada em 1961. Com narração em off e ilustrada por flashbacks o personagem central que aparece em 80% morto, faz o público ter a impressão que Quincas está presente o tempo todo. Dividido em dois lados, os amigos boêmios de Quincas que decidem "carrega-lo" para uma última farra, e do outro lado está a família que o falecido abandonou anos busca reaver o corpo. Cada companheiro de esbórnia de Quincas, tem uma personalidade diferente e que o mesmo tempo se completam. Tendo com cenário as ladeiras de Salvador, o longa trás o choque de visão de reação entre os pobres festeiros e os afortunados reprimidos, não é a toa que pela primeira vez que achei justificável as expressões chulas, vulgo palavrões. Os grandes nomes do elenco como Paulo José, Marieta Severo, Mariana Ximenes, Milton Gonçalves, entre outros conseguem uma coesão e uma ótima qualidade nas atuações. Na produção executiva está Walter Salles e Guel Arres. Apresentado em 1978 pela globo, o romance foi exibido no programa Caso Especial com direção de Walter Avancini e Paulo Gracindo como Quincas. Após ver o filme eu comecei a pensar se por acaso o personagem central do clássico americano dos anos 80 "Um Morto Muito Louco" seria Quincas Berro D'Água?. Produção nacional que diverti quem assiste. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Entrevista Com Vampiro

2010-08-28T23:08:00.000-07:00

O percursos do termo "vampiro" é Bran Stocker. que imortalizou seu Drácula e suas lendas. Cada novo conto que surge somos apresentados a uma forma diferente da "civilização" de caninos pontiagudos. Esta produção de 1994 virou um clássico, se tornando um dos melhores filmes do gênero vampiresco. Uma versão cinematográfica do best-seller de Anne Rice que também escreveu o roteiro. Enfocando um lado mais pessoal e introspectivo, quem narra é Louis de Pont de Lac, interpretado por Brad Pitt, conduzido-nos através de flashbacks de sua vida de vampiro. Iniciamos o "passeio" pelas plantações e escravidão que dominavam o sul dos Estados Unidos no século XVIII, depois avançamos pelo período gótico e decadente do submundo de Paris do século XIX e voltamos aos tempo atuais de 94, ou seja, uma "viagem" por 200 anos de história do mundo. Neste filme os crucifixos não surtem efeito contra estes seres, nem o alho ou a velha estaca cravada no coração, só mesmo a exposição ao sol os reduzem a pó. Além de reunir três dos maiores símbolos sexuais masculinos não só da época, como ainda são, o longa tem um clima sombrio e ao mesmo tempo sensual e provocante, um terror psicológico, mas de uma maneira sutil. Com um status de super produção, o longa recebeu tratamento de gala, com suas filmagens em New Orleans, Paris, Londres e São Francisco. Tudo se completa na produção, a maquiagem impressiona, as atuações então, Tom Cruise fez a melhor interpretação da sua vida, Brad Pitt não é assim uma brastemp, mas não faz feito, agora a então pequena Kristin Dust, mostra do que é capaz. Apesar de ter uma essência de um amor gay, o diretor irlândes Niel Jordan eliminou da trama quaisquer resquícios de ação física e concentrou-se na jornada espiritual-filosófica dos vampiros. Por causa da ligação amorosa de dois galãs, público não aceitou conferir por um pouco mais de duas horas, resultado fracasso nas bilheterias. Na trilha sonora está uma canção interpretada pela banda, então do momento, Guns N' Roses. Apesar de ter recebido indicações à prêmios importantes, o filme levou para casa mesmo foi o Framboesa de Ouro de Pior Dupla, Tom Cruise e Brad Pitt. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

A Nova Onda do Imperador

2010-08-27T18:31:00.001-07:00

Uma das animações que mais gosto, esta produção que foi idealizado em 1994 inicialmente como um musical dramático que chamaria "Rei do Sol" e seria dirigido por Roger Allers, o mesmo de "O Rei Leão". Seria fundamentalmente uma versão inca da história de Mark Twain "O Príncipe e o Mendigo", mas resultado final não agradou e mesmo tendo 50% da produção concluída, o projeto foi cancelado. Para chegar ao resultado que chegou as cinemas em 2000, drásticas mudanças aconteceram. Ritmo amalucado e boas piadas, o filme que desenvolve bem o lado do humor, foi feito da forma tracidional dos clássicos da Disney. O longa é ambientado na América do Sul, e é uma versão fantasiosa do extinto Império Inca, uma civilização indígena que viveu no Peru. Não é a toa que o personagem do Imperador recebeu o nome de Kuzco, em homenagem a antiga capital do império que chamava-se "Cuzco". Quem comanda o incrível visual desta aventura é Mark Dindall, um veterano animador e supervisor de efeitos especiais, ele utiliza a estética dos videoclipes, que da um ritmo acelerado e tem cortes rápidos, o que diferencia a animação dos tradicionais desenhos da produtora. O cenário de fundo e os personagens são torneados com traços leves e simples, são extremamente coloridos, e além disso são caricaturados bem semelhante com os dubladores americanos, da versão original. Na versão aqui do Brasil, Selton Mello é o Imperador, Marieta Severo faz a velha medonha, vulgo vilã e Humberto Martins dubla o camponês Pacha. A esposa do camponês aparece grávida, coisa inédita, ou seja, é a primeira vez que uma personagem aparece netas condições. Com trilha sonora concebida por Sting, a música "My Funny Friend and Me" concorreu ao Globo de Ouro e ao Oscar de Melhor Canção. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Vermelho Como o Céu

2010-08-26T22:14:00.000-07:00

O melhor filme da minha vida!. Esta é a maneira mais próxima de tentar expressar a indescritível sensação que tive ao assistir ao longa. Único, sensível esta produção italiana, que tem como cenário a Toscana nos anos 70, mexe com a imaginação do espectador. Narrando a estória real de do renomado editor de som da Ítalia, Mirco Mencacci, o diretor David Donatello, trabalhou com o editor no filme "Sou Positivo" que foi lançado em 2000, achou interessante os acontecimentos na infância de Mirco e resolveu transformar em um longa, apesar disso o consultor de som não participou em nada da produção. Aos dez anos o garoto Mirco perde a visão após um acidente, juntando-se a isso, na época uma criança deficiente não podia estudar em uma escola regular, isso não acontecia apenas lá, era no mundo todo. O garoto é enviado para uma instituição para deficientes visuais, aonde aprendia a usar a reglete, instrumento com o qual os cegos aprendem a escrever o braile. Além de mostrar a exclusão do pequeno garoto da escola tradicional e a reclusão no Instituto David Chiossene, é a reglete o instrumento de metáfora no filme, pois ao recusar-se à usa-lo, o menino recusa-se a ser cego. Posteriormente ele usa o objeto como com uma outra finalidade. Um merecido destaque para o som, tanto a trilha sonora que nitidamente foi feita para o filme, como os sons e ruídos das mais diversas naturezas captados no longa. Com uma fotografia belíssima que conta com uma iluminação primorosa, que valoriza os tons quentes da Toscana e os mais frios do sombrio Instituto. Já os enquadramentos que são minuciosamente pensados, é feliz quando opta pela lente desfocada e embaçada nos momentos em que representam a visão de Mirco após o incidente. O filme questiona que apesar de termos cinco sentidos, somo viciados na nossa visão, o desafio é sermos menos imagem e mais som, buscando um equilíbrio dinâmico. A produção nos faz estimular-mos nosso corpo a sentir, a aceitar novas experiências, estimula a cabeça a abrir, a aceitar novas diferenças e estimula a ala a pensar, aceitando novas saídas. O repúdio a lei declinou nos nos 80, mas esse processo de inclusão social só chegou ao nosso país dez anos depois, em 1997 e ainda assim encontra barreiras, intolerância e preconceito. O verdadeiro protagonista desta estória perdeu a visão aos oito anos. Dotado de uma sensibilidade sonora e talento musical, direcionou-se para a carreira de músico e produtor musical. Durante anos dirigiu seus próprio estúdio de gravação na cidade de Pontedera, na Toscana. É responsável pela edição de som de alguns dos mais importantes longas italianos, entre eles "Le Fate Ignoranti" e "La Finestra di Fote" com direção de Ferzon Ozpetec e ainda "La Meglio Gioventu" dirigido por Marco Tullio Giordana. Esta produção que além de ganhar o Prêmio do Júri do Festival Internacional de São Paulo e mais alguns prêmios, nos faz perceber o quanto é grande e importante o valor da imaginação. Não é a toa que mesmo após o encerramento do filme, ainda fique em lágrimas, por causa da fantástica experiência que acabara de viver ao admirar essa verdadeira OBRA prima. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Sabrina (1954)

2010-08-25T22:12:00.000-07:00

A produção da noite é de responsabilidade do grande Billy Wilder, que além de comandar o elenco com Audrey Hepburn, John Williams, Humphrey Bogart, entre outros, Wilder foi produtor e co-roteirista do filme. A estória que tem como base a peça "Sabrina" de Samuel A. Taylor, é muito bem costurada, mostra Sabrina, filha do chofer de uma família rica, é apaixonada por David, o herdeiro mais novo e totalmente mulherengo. Durante os anos em que viveu na casa junto ao seu pai, a moça nunca foi notada pelo rapaz, mas tudo muda quando ela vai passar dois anos estudando para ser chef em Paris. Na volta, visualmente diferente acredita que agora vai conseguir fisgar David. Acompanhado de uma boa trilha sonora, o elenco afinado e refinado aparecem com o figurino impecável. No preto e branco a produção tem que ter acima de tudo um bom roteiro, pois diferente do que de costume, as cores neste caso não tem como influenciar a beleza da fotografia. Em 1995 ouve uma refilmagem estrelada por Harrison Ford, mas nem preciso dizer que a versão original é muito melhor. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Domésticas - O Filme

2010-08-24T20:46:00.000-07:00

Um dos meus filmes prediletos, está é o primeiro longa da O2 Filmes, que tem direção de Nando Olival e Fernando Meirelles. Inicialmente o longa seria BBO (baixo baixo orçamento), utilizaria a estrutura da produtora e pontas de negativos, mas acabou tendo seu orçamento um pouco esticado, se transformando em BO (baixo orçamento). Inspirado na peça "Domésticas" de autoria de Renata Melo, o material usado para fazer o roteiro foi entrevistas que Renata realizou durante três anos com dezenas de domésticas. O contéudo transcrito foi separado por temática, as que falavam dos namorados, da família, desacertos na vida, entre outros temas. A partir deste processo foi criada a trama que justificasse o uso daquelas falas transcritas e selecionadas. Seria bem diferente da montagem teatral, o longa seria uma espécie de documentário, mas com atores. Como uma crônica, cada uma das cinco personagens ganhou uma estoria, que se ligariam posteriormente. A narrativa mostra o universo da maior categoria profissional que existe no Brasil, mostrando um pouco das expectativas, frustrações e entendimento do mundo dessas mulheres. Por uma questão de economia, as filmagens aconteceram em dez dias, em dois estúdios simultâneamente. Enquanto Nando, que não é Reis, ai foi mais forte do que eu, Fernando, que não é o Nando, ai de novo, dirigia ao lado. Eles usaram monitores interligados par acompanhar o que o outro estava rodando. A trilha sonora é totalmente composta de clássicos da musica brega brasileira e por canções nacionais de rap. Mesmo não tendo verba para o lançamento e a divulgação, a produtora através de uma parceria conseguiu colocar apenas seis copias nas salas de cinema, e ainda assim alcançou um público de 91.488 espectadores, além disso mais 50 mil apreciaram essa obra maravilhosa através do bacana projeto da Petrobras, o Cinema BR em Movimento, que leva cinema de graça a universidades, escolhas, comunidades. Colocando na ponta do lápis os números de espectadores por cópia, esta humilde produção teve um resultado melhor que "Cidade de Deus". Mesmo sendo feito para o mercado interno, o filme foi escolhido para representar o país no Festival Internacional de Roterdã. Imperdível. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).

Dio Come Ti Amo!

2010-08-23T20:09:00.001-07:00

Como diz nosso "querido" presidente, nunca antes na história da minha vida de cinéfila eu assisti a um musical que não fosse Americano, hoje foi a vez de conferir este romance musical, que conta ainda com pitadas de comédia. Uma co-produção entre a Espanha e a Ítalia em preto e branco, é dividida em dois momentos, primeiro quando Gigliola, visita sua melhor amiga na Espanha, e depois quando esta volta pra casa, mostrando belas paisagens italianas. A narrativa mostra algo muito comum hoje em dia nas produções, mocinha se apaixona por mocinho, mas existem vários empecilhos para que ambos possam desfrutar do amor, nossa que inspirada estou hoje, até me emocionei. A produção que aproveitou o sucesso da canção título, que só aparece ao final do filme, também foi rodada como pretexto de Gigliola Cinquetti, famosa cantora italiana, que vive a mocinha, de interpretar vários de seus sucessos. Tendo uma crítica negativa, a película foi um grande triunfo com o público, chegou a vencer o Festival de San Reno em 1966, ano de seu lançamento. Exibido no Brasil na década de 60, ficou mais de 24 semanas em cartaz num único cinema de Salvador, ou seja, mais de dois anos. Só em uma produção como está é possível uma pessoa parecer Fernanda Torres e Sandy, mudando apenas a franja e sendo mocinha da trama ao mesmo tempo, sim isso é possível.(CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O CLIP DO FILME).

Palavra (En)Cantada

2010-08-22T19:28:00.001-07:00

Primeiro de tudo devo pedir desculpas para quem me acompanha, nestes últimos dias apesar de assistir aos filmes, eu não postei os textos, desculpem espero que repetir mais esta situação. Ok, este documentário nacional aborda o limite entre a música e a poesia, ou se é que existe limitação. A ideia surgiu há três anos, no começo de 2005 através do argumento de Marcio Debellian. Passeando pela história com poesia na nossa cultura, o longa com direção de Helena Solberg, mostra que movimentos como a Bossa Nova e a tropicália, que revolucionaram a maneira de trabalhar nossas palavras, trazendo ainda um interessante paralelo que é o rap. Tendo uma cronologia atemporal, a produção uni com sensibilidade e segurança duas proezas do Brasil, além de conter um rico resgate de imagens raras, como a encenação de "Morte e Vida Severia" no Festival de Teatro de Nancy, na França em 1966, imagens raras de Dorival Caymmi nos anos 40, imagens nunca vistas de carnavais na Avenida Presidente Vargas, um depoimento histórico de Caetano Veloso no Festival da Record em 1967. Exalando pela tela, a paixão envolve o espectador que deve se permitir deleitar da riqueza temática presente na obra, falei bonito agora em?!. Os personagens aqui presentes são além de especialistas, artistas que expressão suas versões da saudável "discussão". Confesso que depois de contemplar a obra, me senti demasiadamente fútil entre outras coisas. (CLIQUE NO TÍTULO PARA VER O TRAILER).